Film d’aventure et de chasse au trésor, histoire de patrimoine et de région, ‘Victoire et le Secret des Terres de Meuse’ nous emmène dans une quête historique avec Lothaire et l’héritage de Charlemagne, avec en toile de fond un récit familial, une région à découvrir et une enquête à mener.
Si l’histoire de ce Grand-Est, au patrimoine si riche, nous interpelle, c’est sans doute parce que récemment peu de film l’ont évoqué. Il faudra probablement aller vers Les Rivières Pourpres 2 datant de 2004 ; qui évoque bien le tombeau de Lothaire, et enrichit le mythe à sa façon ; pour avoir l’impression d’être immergés dans l’Est. Au fil du temps, quelques tournages et récits ont eu lieu. Il y eut - entre autre - La Vie et rien d'autre, en 1989 ; en 2005, Les Âmes grises ; en 2006, Indigène… Drames, histoire, thrillers ; la région a été visité, mais curieusement, pas tant que ça. Notons que Verdun a été de nombreuses fois évoqué, on ne compte pas les métrages - des Sentiers de la gloire de Stanley Kubrick au récent À l'ouest rien de nouveau d'Edward Berger - et ce même si peu des films ont été filmés à l’endroit des péripéties.
Quoiqu’il en soit, ce projet mérite notre attention dans le sens où il donne une leçon d’humilité à bien des productions récentes. Non pas qu’il ne soit pas exempt de défauts, mais bien parce qu’il met à mal les critiques, semblant même se jouer des difficultés - et nous ne vous rappellerons pas à quel point il est compliqué d’intéresser un producteur (par définition frileux), ou de présenter un sujet (qui ne rentre pas dans les cases), sans même évoquer un budget ! 
Conçu comme un film familial et donc assimilable par tous, ‘Victoire et le Secret des Terres de Meuse’ est très agréable à regarder, bénéficiant d’une jolie photographie et de cadrages soignés qui mettent en valeur des endroits peu connus, mais laisse à ses personnages suffisamment d’espace pour vivre et se développer.
Les acteurs sont étonnamment ‘frais’, et convaincants, nous touchant - comme Anthéa Marques qui incarne Victoire, ou Philippe Ohrel dans le rôle de son père, Daniel ; et si certains surjouent un peu (l’erreur du débutant), l’ensemble est suffisamment inspirant pour nous faire passer un bon moment.  

Synopsis : Victoire, jeune adolescente parisienne en conflit avec son père, vient passer ses vacances dans sa famille en Meuse pour renouer avec ses racines. Contre toute attente, elle devra trouver un trésor légendaire « Le Secret des Terres de Meuse » pour sauver la maison de sa grand-mère. Ce qu’elle trouvera, changera sa vie pour toujours...

Sylvain Ménard, juillet 2026

Victoire et le Secret des Terres de Meuse (film, 2025)
Technique
Réalisation : Baptiste Kasprowicz
Scénario : Baptiste Kasprowicz et Yann Calesse
Production : Baptiste Kasprowicz
Directrice de production : Lorraine Caillas
1ère assistante réalisation : Lou-Anne Sellier
Script : Agathe Le Pommeray
Régie générale : Lorraine Caillas, Cécile Thouvenin et Audrey Antoine
Photographie : Alexandre Braun
Décors : Virginie Breton
Costumes : Alexis Duquesne
Montage : Baptiste Kasprowicz et Arnaud Tonnellier
Son : Yann Jenny et Guy Tourreau
Sound design : Percept Sound et Guy Tourreau
Musique : Olivier Brigand
Musique générique de fin : "Alive Shadows" de Peeled Cubes
Société de production : Association Placieux Production et BK Production SAS
Société de distribution : BK Production SAS (France)

Casting
Anthéa Marques : Victoire
Bertille Boros-Turquin : Valentine
Cédric Durand : Hugo
Victor Autier : Louis
Philippe Ohrel : Daniel
Claude Jan : Jean-Philippe
Aurélie Palovitch : Irina
Cécile Nicolas : Cécile
Danièle Gervais : La grand-mère
François Rousseau : Le Ministre de la culture
Audrey Antoine : La journaliste
Gérard Hours : Le Roi Lothaire

Dans cette île où l’âpreté - liée à un environnement sauvage - le dispute à la simplicité d’une vie rugueuse - car dénuée de toute frivolité - ; la sensation qui émerge est celle d’une forme de nostalgie, d’une mélancolie naissant de la vision de ces vies simples, où les fils du destins semblent être tissées d’avance.
Ainsi au travers de cette histoire, la réalisatrice va-t-elle sublimer ces décors somptueux, ceux de ces rochers et de ces côtes battues par le vent ; mais également va-t-elle nous l’imposer par le biais de ces touches de couleurs, où de ces cieux changeants qui inondent la terre. Que nous sommes loin de certains 'clichés' et que cette terre recèle de trésors et de beauté.
Les femmes que l'on entrevoit et que l'on apprend à connaître irradient d'une profonde douceur, leur peau tannée par le vent, la mer et le soleil, cuivrée et sombre, leur donnant cet air calme et serein, comme pénétré d'une immémoriale sagesse.
Et ainsi c'est par le biais de l’irruption dans cette 'communauté’ - d’un petit bébé que nous verrons grandir - que nous nous retrouvons au cœur de cette histoire, et que nous assisterons à ses retrouvailles avec sa mère et où s’affirmera son souhait de ne pas quitter son île, d'y rester. Si le Cap Vert est l'objet de nos attentions, ce n'est ni un film sur la diaspora, ni sur le monde moderne et ses calamités. Aucun message sombre ou jugement, car le film parle des gens, de leurs choix et de leur résilience. Mais par dessus tout, c'est un film où la 'magie' des lieux, avec ces images d'arbres qui surplombent l'océan, cette pluie qui tombe et incite à la méditation, les couleurs des vêtements et la beauté - si ce n'est la pureté qui émane de la tout jeune Nana -, s’imposent à nous et nous offrent cette image très poétique de cet ailleurs qui nous enchante. 

Histoire de choix, histoire de départ et de retour… ; le film s’avère une expérience réellement enrichissante, de celle qui promet de ne pas nous laisser indifférents ; et qui en sus nous amènera à nous poser quelques questions bienvenues sur le temps qui passe, notre nature (ou ce qui nous définit) en tant qu’humains, et le monde qui nous entoure.  

Synopsis : Sur une île volcanique isolée que tout le monde veut quitter, la petite Nana apprend à rester. Sa mère, Nia, s'est exilée juste après sa naissance et Nana grandit dans la famille de son père. Un jour, la famille apprend que Nia est malade. Nana commence à avoir de fortes fièvres et est envoyée au pied d'un volcan pour y être soignée. Elle y découvre un monde imprégné de réalisme magique, entre rêve et réalité. Plus tard, alors que Nana est adolescente, sa mère Nia retourne enfin sur l'île.

Sylvain Ménard, juillet 2026

HANAMI
SWITZERLAND / PORTUGAL / CAPE VERDE, August 2024 (96 min)
PRODUCTION : Alina film, O Som e a Fúria, ventura film sa, RSI Radiotelevisione svizzera
PRODUCER : Eugenia Mumenthaler, David Epiney, Luis Urbano, Sandro Aguilar
DIRECTED BY Denise Fernandes
WRITTEN BY Denise Fernandes, Telmo Churro
CINEMATO­GRAPHY : Alana Mejia Gonzalez
EDITING : Selin Dettwiler
LOCATION SOUND MIX : Henri Maïkoff
SOUND EDITING : Etienne Curchod
RE-RECORDING MIX : Etienne Curchod
MUSIC : Rahel Zimmermann
PRODUCTION DESIGN : Rafael Mathé
LIGHTING DESIGN : Elias Fernandez Salomon
COSTUMES : Silvia Grabowski
MAKE UP : Cristina Fischer

CAST
Nia : Alice da Luz
Nana : ailma Mendes

Nana : Sanaya Andrade

Film très poétique, visuellement très abouti et empreint d’une énergie ‘vitale’ qui transparaît dans le traitement des personnages - de la grand-mère et de son petit fils -, CHRYSALIS est une ode au bonheur et à la relation que ces deux êtres entretiennent. Pour illustrer ce Vietnam des années soixante-dix, le réalisateur Jordan Robert Schulz, opte pour des tonalités chaudes et rassurantes, des plans soigneusement cadrés, aux travellings délicats ; et s’attarde sur les personnages, les gens que l’on croise, ces vietnamiens d’alors, qui vivaient leur vie dans ce pays en guerre. C’est sans doute ici qu’on soulignera l’excellence du travail du directeur de la photographie, Alexander Bonelli !
Ouvrant comme une parenthèse sur un monde en guerre, le réalisateur adapte la biographie de Daniel K. Winn. Le récit est celui de son enfance, d’abord en son pays dans un Vietnam déchiré puis plus tard en tant que Boat-people, avec cette arrivée aux États-Unis, où il devra s’affranchir de ses traumas, se construire, et au travers de l’Art devenir l’homme qu’il est aujourd’hui.
Cette relation magnifique entre une grand-mère et son petit fils est un beau message d’optimisme et de joie de vivre. La beauté de cette relation semble culminer lorsqu’on découvre à l’écran, la sculpture ailée la représentant, tandis que la caméra caresse les courbes de ce corps et de ce visage vieillissant.
Et doucement, presque comme si nous étions soulagés d’un poids, nous ressentons une grande sensation de bien-être.
Pour l’instant, nous ignorons tout de la diffusion et d’une date de sortie, mais soyez sûrs que nous vous tiendrons informés. 

Un petit mot sur la musique du film… Le score d’Elia Cmiral met en exergue avec subtilité et douceur cette relation solaire, cet amour qui unit ces deux parents. Comme à l’accoutumée le compositeur polonais sait nous emporter dans ces mouvements superbement esquissés, ces arpèges parfois flamboyants, à d’autres moments sombres et nostalgiques. 

Synopsis : Dans le Vietnam ravagé par la guerre dans les années 1970, un jeune garçon cherche sa place dans un monde chaotique, guidé par la sagesse de sa grand-mère et hanté par les souvenirs de sa famille.

Sylvain Ménard, juin 2026

Chrysalis (les cicatrices de Saïgon)
Réalisation : Jordan Robert Schulz
Scénario : Andrew Creme, basé sur le mémoire de Sir Daniel K. Winn « The Scarcity of Love »
Histoire : Sir Daniel K. Winn, Randall J. Slavin, J. Robert Schulz
Interprètes : Kieu Chinh, Nguyen Vu Uy Nhan, Daniel K. Winn
Photographie : Alexander Bonelli
Effets visuels : Jose L. Marin
Musique : Elia Cmiral
Producteurs : Tien Pham, David Hopwood
Production exécutive : Randall J. Slavin, Sir Daniel K. Winn
Coproduction : David Hopwood
Sociétés de production : WS Productions, Legend Artist Entertainment, SuperCine Entertainment
Pays de production : Vietnam, États-Unis
Durée : 2h03

C’est cette vision d’une Amérique accessible et à dimension humaine - cette vision d’un grand pays, malgré ses défauts, ses errances et sa misère bien visible - que nous apprécions tout particulièrement. Et puis c’est également cette mise en avant de personnes simples, de femmes et d’hommes qui savent se battre et tirer le meilleur de leur vie, malgré les obstacles et les drames.
C’est le type de film dont le script pourrait paraître basique aux yeux d’un spectateur inattentif ou enclin à sortir au cinéma juste pour rentabiliser sa carte… Un énième film sur la société américaine, les laissés pour compte, les ‘bouseux’ du fin fond de l’Ouest !?
Bien au contraire ! ‘THE NEW WEST’ recèle une vraie richesse au niveau du développement des personnages, de leurs forces et de leurs faiblesses. 
Tout d’abord les acteurs sont crédibles (et pour cause, beaucoup jouent leur propre rôle) ; que ce soient ceux qu’on a déjà pu voir sur de nombreuses productions, ou ceux qui nous étaient totalement inconnus… Ensuite l’histoire est très travaillée, sensible et touchante, s’inspirant du vécu de ces gens. Et au final, ce serait une grossière erreur que de ne pas aller le voir !

Fruit d’un dense travail de préparation qui aura vu la réalisatrice et son directeur de la photographie écumer le Dakota du sud, le projet aura pris quelque trois années avant de voir le jour et de devenir ce métrage que nous avons eu le privilège de découvrir avant sa sortie. Un très beau sujet sur une Amérique peu montrée dans les informations ou dans les films, un monde où tous cohabitent, vivant au sein d’une nature parfois sauvage, perpétuant des traditions, et nous laissant découvrir des personnes bien ancrées dans le monde, mais ayant su rester sincères et simples. Et le résultat est bien là à l’écran… ‘THE NEW WEST’ est un film qui nous subjuguera immédiatement, un film dont la lumière très travaillée (Austin Shelton) et des cadrages qui frisent la perfection, sauront mettre en avant cette « tribu » constituée en grande partie de femmes ! Presque une sororité en fait… 

Alors oui, c’est évident que nous avons adoré ‘THE NEW WEST’. A nos yeux le film de Kate Beecroft est à mettre à part, d’abord parce qu’il embrasse un genre existant, relatant cette épopée rude et âpre, cette ode aux grands espaces et à tous ceux qui y vivent, le western ; mais en situant le récit dans cette temporalité moderne, actuelle, et représentative de ce qu’est aujourd’hui l’Amérique. Ainsi elle nous semble redéfinir le genre même dans lequel elle a souhaité s’inscrire, tout en s’attardant sur les liens humains et le quotidien - peut-on parler de docu-fiction ? - nous rappelant qu’il s’agit là de la dernière frontière.
Et plus que tout, c’est probablement un de ces westerns comme on les aime, une tranche de vie dans cette Amérique d’aujourd’hui, dans un monde qui change, mais où - pour nombre d’américains - conserver leur façon de vivre et s’épanouir dans ce qu’ils ont pu créer et construire, est ce qui importe le plus ! A bien des titres, ‘THE NEW WEST’ est un film profondément émouvant et merveilleux de sensibilité ; un film qui n’oublie pas de nous rappeler que les choses les plus simples sont souvent les plus belles. Et ici, dans ces vastes étendues, ce dernier refuge de la liberté, nous avons comme l’impression de mieux comprendre ce qu’on nomme l’esprit américain…

Avec ce film, la réalisatrice Kate Beecroft, redéfinit le décor du mythe américain, et réécrit la destinée de celles et de ceux qui le vivent.

Le film a reçu le prix du public du Festival de Sundance en 2025, et l’on comprend bien pourquoi…

Synopsis : Tabatha vit dans son ranch au cœur des Badlands, les grandes plaines du Dakota du sud. Malgré des difficultés financières, elle accueille des adolescents rebelles et leur transmet sa passion pour les chevaux, qu’elle dresse avec eux, leur enseignant la magie et la grâce du rodéo. Ensemble, ils réinventent l’Ouest américain. Un jour, un éleveur d’un comté voisin propose à Tabatha de lui racheter son ranch...

Sylvain Ménard, mai 2025

Casting :
Porshia Zimiga : PORSHIA ZIMIGA
Tabatha Zimiga : TABATHA ZIMIGA
Roy Waters : SCOOT MCNAIRY
Tracey : JENNIFER EHLE
Jesse : JESSE THORSON
Ryder : CHANCEY RYDER WITT
Clay : CLAY PATENEAUDE
Leanna : LEANNA SHUMPERT
Brynn : BRYNN DARLING
Skylar : WYATT MANSFIELD

Equipe technique :
Scénario et réalisation : KATE BEECROFT
Production : LILA YACOUB, KATE BEECROFT, MELANIE RAMSAYER, SHANNON MOSS
Image : AUSTIN SHELTON
Montage : JENNIFER VECCHIARELLO
Musique : LUKAS FRANK, DANIEL MEYER-O’KEEFFE
Son : SERGIO DIAZ
Costumes : CHRISTINA BLACKALLER
Casting : WITTNEY HORTON

Que nous soyons conscient de ce que représente le phénomène migratoire ou pas, que nous soyons touchés ou non - et avec un monde qui dérive de plus en plus, prisonnier de sa propre violence - il est impossible de ne pas se sentir concerné ; le film nous happe et dans sa 'simplicité' nous soumet une version, pas nécessairement la plus juste, pas obligatoirement la moins vraie, mais juste un point de vue, une image à un moment donné. 
L'horreur d'une situation nait souvent de l'incompréhension que l'on ressent, de cette douleur qui nous étreint. Et 'L'enfant Bélier' n'échappe pas à cette règle, car sans effet, ni exagération, la réalisatrice nous convie à nous interroger sur ce que nous voyons et la façon que nous avons de surmonter les épreuves. La culpabilité, les regrets ou l’incompréhension sont traités avec dignité, sans s’appesantir ni porter ce regard trop souvent ‘voyeur’.

Co-production entre la Belgique et le Canada, le métrage nous emporte dans un maelström d’une grande violence, non pas parce que l’histoire l’est ; ou bien qu’elle nous permet de supposer qu’il y a de mauvaises personnes et des bonnes ; non, c’est bien parce que la situation énoncée et le déroulement des évènements ne pouvait qu’entraîner l’irrémédiable et inéluctable conclusion. 
Et - c’est là la source du drame - il n’y a ni méchants ni gentils, il n’y a que des individus, des humains qui pour certains sont prêt à tout afin de survivre, d’autres qui sont prisonniers de leur devoir et d’autres encore de leur logique trop implacable et ce faisant inhumaine. 
C’est un film bouleversant qui nous laisse sur le bord de la route (n’y voyez aucun jeu de mots), meurtris et profondément choqués. Nous ignorons comment la vie peut se réorganiser après de tels évènements, mais subtilement, l’image finale que nous offre la réalisatrice, nous aide à surmonter en partie ce deuil.

Au delà des mots et des images, au delà de ce que représente le cinéma, n’y a t-il pas tout simplement l’obligation à certains moments d’offrir aux spectateurs des œuvres nécessaires, quand bien même leur sujet nous fait mal ou que le drame évoqué nous fait horreur ? C’est là qu’en des termes simples se pose cette lancinante question. Doit-on inciter à aller voir de telles œuvres, et comment les cataloguer. 
Ici, à Cinémaradio, nous pensons qu’une œuvre forte (de quelque nature qu’elle soit), mérite d’être vue, lue ou entendue. Il n’y pas de mauvais sujets, juste de mauvaises perceptions. En l’état, notre devoir de chroniqueur est de rester éveillé et confiant dans ce que nous faisons. Si commenter un film ou le critiquer nécessite de l’honnêteté et du recul, imaginons le travail de tous ces intervenants du cinéma, des acteurs, du scénariste et du réalisateur ; afin de porter à notre connaissance une histoire !
Alors que le film soit beau, joyeux ou résilient, qu’il nous inspire de la confusion ou de la tristesse ; chaque œuvre est méritoire et nous nous devons de l’évoquer avec empathie mais professionnalisme.

Allez voir 'L'enfant Bélier' de Marta Bergman, laissez-vous imprégner de ces impressions et de ces images… Est-ce qu’il est poignant, oui !… Est-ce qu’il est nécessaire de le regarder, oui !… Et au final, est-ce qu’il peut vous faire mal, probablement que oui ! ; mais notre civilisation - encore plus aujourd’hui - a besoin d’un tel film, d’un tel repère !

Synopsis : Sara et Adam sont arrivés illégalement en Belgique avec leur petite fille de 2 ans, espérant rejoindre l’Angleterre. Entassés à l’arrière d’un véhicule, la peur semble prendre le pas sur l’espoir. Redouane est policier depuis 20 ans. Avec son équipe, toutes les nuits, il fait la chasse aux passeurs. Ce soir-là, alors que la voiture de police essaie d’arrêter la camionnette soupçonnée de transporter des migrants, tout bascule…

Sylvain Ménard, avril 2026

L’ENFANT BÉLIER
Belgique, Canada (2026, 1h34)
Réalisation : Marta Bergman    
Image :    Noé Bach    
Scénario : Marta Bergman, Ely Chevillot, Sacha Ferbus, Camille Mol    
Casting : Salim Kechiouche, Lucy Debay, Marie Denarnaud, Zbeida Belhajamor

L’échappée belle qui entraînera Ester et son fils David, accompagnés d’une jeune femme ramassée au bord de la route, c’est un peu comme un rayon de soleil, une bouffée d’indépendance, un moment échappé au temps et aux contraintes.
Alors au risque de dévoiler trop de l’intrigue, nous ne nous appesantirons pas sur les péripéties qui émaillent le récit ; entre drame de la vie ordinaire et épreuves qu’elle nous impose ; le récit oscillant entre une épopée qui se verrait joyeuse, et dans le même temps d’une grande complexité du fait des responsabilités et du poids de la charge !

La réalisatrice insiste beaucoup sur la solitude de cette mère, sur les devoirs qu’elle s’impose, et nous offre à nous spectateurs ce qui nous apparaît être comme son chemin de croix. Et en soulignant un peu trop les besoins de son personnage central, la réalisatrice s’oublie, mettant l’accent sur des choses qui nous paraissent évidentes, mais qui ne sont pas sans ralentir l’action.
Mais son étude d’un personnage en permanence au bord du gouffre - dans un traitement finalement assez clinique, mais très inspiré, parce que plein d’amour - nous permet d’assister néanmoins à de beaux moments. Rappelons qu’il s’agit seulement du premier long métrage de la réalisatrice Zuzana Kirchnerová, et qu’elle s’inspire ici de sa propre expérience. 
Aussi assistons-nous à de rares moments de plénitude - comme des instants de paix qui surgissent ici et là - ainsi qu’à d’assez rares moments de colère ou d’égarement, qui définissent en quelque sorte, ce qu’est la vie de cette femme, de cette mère aimante, dépassée mais résiliente. De façon très prégnante, c’est la sensation d’abandon qui nous frappe. Et au fur et à mesure, s’esquisse par petites touches le portrait touchant, parfois tendre, et en même temps empli de confusion et de désespoir d’une mère, dépassée par les évènements et par sa détresse sans fond.

Sur un sujet éminemment complexe, dont nous savons pertinemment qu’il reste un ‘vrai’ sujet de société, qui aujourd’hui n’apporte toujours pas de réponses à la souffrance morale des parents, Zuzana Kirchnerová, réussit à nous offrir un film intense et sensible.

Une remarque concernant le jeune acteur qui incarne David…
En tant que spectateur, et parce qu’il s’agit d’un film, nous serons restés sur notre faim quant au  personnage de David, le jeune acteur nous ayant semblé peu convaincant ou tout du moins, ne provoquant guère de sympathie ou d’empathie.

Synopsis : Ester élève seule David, son fils atteint d’une déficience intellectuelle. Cet été, elle rêve d’un peu d’insouciance chez des amis en Italie. Mais après une crise de David, la tension monte, et ils se retrouvent exilés dans une vieille caravane au fond du jardin. C’en est trop pour Ester. Sur un coup de tête, ils prennent la route. Quand Zuza, jeune routarde sans préjugés, embarque à leurs côtés, un trio bancal mais sincère se forme, entre joie fragile et liberté inattendue.

Sylvain Ménard, avril 2026

Long-métrage, 1h42, Tchéquie, Slovaquie, Italie (2025)

CASTING
ESTER : Aňa Geislerová
DAVID : David Vodstrcil
ZUZA : Juliána Brutovská

EQUIPE TECHNIQUE ET ARTISTIQUE
Réalisatrice : Zuzana Kirchnerová
Auteurs : Zuzana Kirchnerová, Tomáš Bojar, Kristina Májová
Image : Simona Weisslechner, Denisa Buranová
Son : Klára Javoříková
Décors : Cristina Bartoletti
Costumes : Zuzana Mazáčová
Eclairage : Rost Vasylyev, Jiří Navrátil
Montage : Adam Brothánek
Musique : Aid Kid, Viera Marinová
Producteurs : Dagmar Sedláčková, Jakub Viktorín
Coproducteurs : Carlo Cresto Dina, Ilaria Malagutti, Manuela Melissano (Tempesta, IT), Czech Television, Slovak Television and Radio, Amygdala Pictures, Innogy

C’est vrai qu’on pourrait classer ce métrage parmi les « O.C.N.I. », objet cinématographique non identifié ! Si l’approche initiale pourrait sembler relever d’une normalité banale - ici des personnes qui se retrouvent à une fête, situation on ne peut plus banale - la suite nous emporte dans un sorte de réalité parallèle, où plusieurs d’entre-elles découvrent qu’elles sont à priori mortes, et ne peuvent sortir de la maison ! 
Ce schéma, qui rappellerait à certains des épisodes de La Quatrième Dimension, voire de Twilight Zone ; a longtemps fait l’objet des attentions de nombre d’écrivains, et nous n’en dresseront pas le catalogue. Mais l’affaire est entendue, les histoires de morts survenus tandis que les défunts ignorent tout de leur état - souvenons-nous de Patrick Swayze au début de ‘Ghost’ - font partie du folklore, et de ces histoires qui ont su nous offrir de beaux moments de cinéma (et parfois, certains très effrayants).
La différence est qu’ici il s’agit d’un métrage qui s’envole vers une dimension expérimentale, tout en ayant assimilé les règles de la fameuse nouvelle vague avec ses codes et son mode de réflexion. 
Création ‘artificielle’, les personnages, leur motivations ou leur passé (ce qui nous est donné de savoir sur eux), tout sonne faux, comme si nous étions déjà piégé dans ce monde parallèle, cette structure dont ne sortent pas les principaux protagonistes. Relecture du mythe de l’antichambre de la mort - le bien nommé purgatoire - ‘Dernière soirée’, oscille entre un bon épisode d’une des séries citées précédemment, et un moyen métrage (il ne fait que 70 minutes) parfois léger dans son étude et où le spectateur se retrouve à regarder sa montre.
Avec quelques choix plus ou moins contestables ; comme cette scène d’amour au masculin, aussi inutile que platement filmée et de façon trop suggestive, ce qui ajoute de l’incohérence à ce moment précis ; nous nous perdons peu à peu, sans bien comprendre ce qui s’est passé, et si il y a un objectif derrière tout ça !
Car emportés dans un ailleurs dont nous ne savons rien, nous ignorons également la raison de « l’emprisonnement » de ces quatre personnages. Avertissement, passage au purgatoire, fantasme ou hallucination,… le spectateur décidera. 

Aussi, même si les acteurs sont plutôt bons, les situations manquent de vraisemblances, d’autant que le réalisateur ne nous offrira pas de vraie réponse et nous laissera sur notre faim.
Sans doute le métrage est-il trop long - certains plans très esthétiques n’ajoutent rien à l’histoire - et on se dira que ramenée à 50 minutes, l’intrigue aurait gagnée en puissance. 
Relativement rythmé et très bien filmé, le film suscite en nous de l’intérêt et dans le même temps nous semble confus. ‘Dernière soirée’ s’avère assez singulier pour trouver son public - et en ces temps de banalité, ce n’est pas si mal - aussi attendrons-nous un prochain métrage afin de nous faire une idée plus précise de ce que ce jeune réalisateur a à nous offrir.

Synopsis : Lors d’une soirée de fin d’études, Angela, Alexander, Lily et Ethan, quatre adolescents en pleine crise existentielle, sont face à leur mal-être. C’est lorsqu’ils se retrouvent tous les quatre enfermés, qu'ils se demandent s’il ne s’agirait pas de leur dernière soirée…

Sylvain Ménard, mars 2026

Dernière soirée
[Drame, Adolescent, Fantastique - 2023 - 70 min)
Réalisation : NICOLAS DOZOL
Écrit par : CHLOÉ VITTENET, PAUL TOMASINI, LEAH LADOUX et NICOLAS DOZOL
Production : LIGHTS RUSH

Casting
Angela : LUCIE CECCHI
Alexander : RÉMI GERARD
Lily : UMA CONDOLO
Ethan : TEDDY HARDY

Porter un regard sur les conflits de génération est rarement chose aisée. Ici comme ailleurs, les conflits liées à l’éducation ou aux études sont souvent sources d’incompréhension et de rancœur. Dans l’histoire que nous conte JEAN- MICHEL LOUTOBY, il y a un peu de ça, ainsi qu’une réflexion sur le monde qui nous entoure, ses excès et ses travers. Et puis également, comme parfois cela arrive, s’ajoutent à ces problématiques des questions de harcèlement dans l’univers scolaire et au dehors, qui malheureusement soulignent certaines fois l’incapacité qu’ont les parents à appréhender à quel point les choses sont dramatiques, et qu’ils ne peuvent (et ne doivent) pas passer cela sous silence.

Mais ce qui nous happe de suite, c’est la présence d’un véritable discours lié à la prise de conscience de la violence. Ainsi, le réalisateur va-t-il jusqu’à évoquer dans son histoire, l’ensauvagement - ce qu’on nomme également la barbarie - ; cette inhumanité dont font preuve certaines personnes (ils, elles…) au sein de la société et qui se manifeste parfois dans des actes dont toute empathie et toute mesure auront disparues.
En se greffant sur cette trame, le personnage du père, strict, avec un regard sur le monde inadéquat, représente assez bien ce fossé que nous évoquions au début ; et qui par le biais de son comportement intransigeant, en quelque sorte, pousse son fils dans ses retranchements. 
Ainsi certains mots peuvent paraître forts, ou très durs, certains échanges entre le père et le fils pourraient réussir à surprendre ou choquer le spectateur, dans ce qu’on ne peut que qualifier de violence psychologique.
Mais le réalisateur décide de nous offrir une fin qui transcende les drames que l’on vient de vivre en offrant aux spectateurs, une résolution de l’intrigue (‘des’ pour être plus exact) ou le pardon, la reconnaissance de ses erreurs, le besoin d’être avec les autres - apaisé et heureux -, prend le pas sur toute autre considération.

Notons que de la production à l’interprétation, en passant par les différents corps de métier, tout s’est fait en collaboration avec la Mission locale du nord de la Martinique. Les acteurs eux-mêmes étant sortis des rangs des jeunes inscrits à la mission. Cette ambition affirmée de réussir à créer un projet cinématographique viable et d’offrir à des jeunes une opportunité professionnelle dans l’industrie du cinéma aura donc abouti à la sortie de ce joli film, qui arrive sur nos écrans le 25 mars.

On regrettera sans doute que la bande-son soit si moderne et presque impersonnelle ; à défaut d’avoir une véritable ambiance musicale. Ainsi, on frôle le cliché comme lors de l’incarcération du jeune homme, alors qu’une musique rap l’accompagne jusqu’à sa cellule. On dira qu’il ne s’agit là que de quelques instants ; des défauts mineurs ; mais n’en demeure pas moins que le montage du film y aurait gagné avec une musique mieux inspirée.
Mais rassurez-vous, ces petits défauts finalement représentent bien peu ; et ne sauraient gâcher l’intérêt que vous porterez aux ‘FRACTURES INVISIBLES’ !

Synopsis : Dans une famille où le poids des traditions dépasse celui de rêves individuels, Dylan, 19 ans, vit sous la pression constante d’un père autoritaire, chirurgien reconnu, qui lui impose des études de médecine. Aspirant à une carrière artistique ou technique, Dylan sombre dans une spirale de frustration, d’échec et d’influences toxiques. Un soir, sous l’effet de la drogue, il commet un acte de violence irréparable contre ses parents. Tandis qu’il est confronté à la justice et à ses remords, sa sœur cadette Léa devient victime d’un harcèlement brutal dans un lycée. Alors que Léa sombre, Dylan trouve en lui une lueur d’espoir : se reconstruire pour protéger sa sœur et tenter de recoller les morceaux d’une famille fracturée.

Sylvain Ménard, mars 2026

Les Fractures Invisibles [1h15, Drame familial et social]
Ralisateur et Scénariste : Jean-Michel LOUTOBY
Directeur de la Photographie : Teddy ALBERT
Monteur : Sonia SOKOLOWSKI
Chef Décorateur : Elisia DOUILLET
Directeur artistique : Christelle MATOU
Compositeur : Wilfried BEAUGENDRE, Orlane HOAREAU, Jean-Michel LOUTOBY, Jean-Michel RAGGIOLI
Producteur : Mission Locale Nord Martinique
Casting :  Axelle RENÉ ; Lenny MICHANOL ; Érika LINISE-MARQUEZ ; Frédérique FOSTAN ; Doraline GARCIA

Casting
Dylan : Lenny MICHANOL
Léa : Axelle RENÉ
Jean-Pierre (le père) : Frédéric FOSTAN
Maryse (la mère) : Erika LINISE
Clara (l’amie de Léa) : Doraline GARCIA
Kevin (ami de Dylan) : Yann FLORINE

C’est une réflexion sur ‘comment éviter la guerre’ à laquelle se livre le réalisateur. Son discours emprunte beaucoup à une forme de critique quant à l’approche des conflits, telle que la vie dans nos sociétés modernes nous les font vivre ; par écrans interposés, au travers de flashs d’information, par le biais de reportages toujours au plus près du combat, dans ce qui ressemble presque à une sacralisation de l’horreur et de ce que représente le fait d’ôter une vie.
Et en se basant sur ces échanges entre Einstein et Freud, Amos Gitai introduit une œuvre qui subtilement mélange le théâtre, le documentaire et le film. 
Remarquable, allitération sur le pourquoi des choses et de la violence, dont certains sont capables, le réalisateur, nous convie à ce voyage qui devient introspectif, et surtout qui nous met face à nos responsabilités, en tant qu’êtres pensants.

Le spectateur trouvera Mathieu Amalric excellent dans son rôle de Freud ; un rôle probablement complexe à jouer, et qui y a représenté un réel défi dans l’interprétation ; sans exagération ni caricature. Et dans celui d’Einstein, on retrouvera Micha Lescot, l’initiateur de cette conversation, cet échange qui date de 1932 ; et qui immédiatement nous renverra à ces images récentes et à ces conflits permanents.
Si, en parlant des fondements de la psychologie de l’Eros, de la violence, de la pulsion ; nous sommes conviés à prendre la mesure de ce qui ressemble in finé à des combats de coqs, la résultante en sera que cette haine et ces actes barbares ne feront qu’entériner les différences et exalter les sentiments de rancœur et de vengeance.

Ainsi cet échange historique entre Sigmund Freud et Albert Einstein, trouve un écho désespérant dans le monde d’aujourd’hui, ou la violence, la sauvagerie sont monnaie courante, et où le moindre conflit se règle à coups de missiles ou sous un tapis de bombe.
Comme nous l’avons évoqué, c’est un métrage qui se situe entre le documentaire, le théâtre et le film expérimental ; ce qui nous apparaît comme évident, dans certains plans-séquences ou dans les scènes d’échange. 
C’est un film qui provoque en nous des sentiments mitigés ; mais qui prouve, qu’au-delà de la rhétorique, au-delà de la façon d’appréhender la guerre ; se trouve l’évidence, celle qui est de reconnaître que cette dernière est un reflet de nous, ; un constat qui doit nous mener à une réflexion sur le pourquoi de sa création.

D’une grande beauté visuelle, chaque plan est soigné et méticuleusement étudié ; d’une grande qualité dans les textes et leur interprétation (théâtrale certes, mais tel est le sous-sujet), les dialogues étant d’une grande lisibilité et les acteurs s’en imprégnant ; « Why War » est autant un film complexe parfois à décrypter, sans être inaccessible, qu’un film incroyablement exigeant.

Synopsis : Inspiré d'une correspondance entre Albert Einstein et Sigmund Freud, il y a près d'un siècle, "Pourquoi la guerre" est une fiction sur la guerre, ou plutôt une fable à plusieurs personnages en quête de sens dans un poème visuel.

Sylvain Ménard, mars 2026

Why War (DVD)
Durée : 90 mn
Editeur : Epicentre Film
Code-barres : 3545020099759
Type d'édition : Simple VOSTFR
Nombre de disques : 1 DVD, zone 2

Bonus
- Entretien avec Amos Gitaï et Marie-José Sanselme
- Bande-annonce
- Bio-filmographie

Technique
Réalisateur : Amos Gitaï
Scénario : Marie-José Sanselme, Amos Gitaï
Compositeur : Alexey Kochetkov, Louis Sclavis
Producteur : Amos Gitaï, Laurent Truchot
Montage : Yuval Orr
Directeur photo : Eric Gautier
Costumes : Cécile Kretschmar
Studio : Agav Films, GAD Fiction, Agav Hafakot, Indiana Production, RTS, Elefant Films

Lien vers le film SHIKUN
https://www.cinemaradio.net/news/shikun-un-film-engage-du-realisateur-israelien-amos-gitai-sort-le-6-mars-697

Entre couples qui s’ignorent, ce quotidien qui finit par s’attaquer à la plus petite étincelle de folie et d’envie ; on joue un peu avec cette image, celle de nos sociétés où on se laisse dévorer par le temps et les futilités. Problématique de couple, manque de libido et réalité du stress et des obligations que nous nous imposons ; le film s’amuse avec les clichés tandis que la réalisatrice joue avec les fantasmes (ceux de ses deux personnages féminins), et réinvente ces situations ou l’on se projette avec l’autre.
Conflit, manque d’écoute ou incompréhension, nous sommes ‘joyeusement ballottés’ dans cette comédie irrévérencieuse et qui pique la ou ça fait mal !
Car c’est bien là la force du film que de ne pas s’appesantir sur les péripéties parallèles, tout comme de ne pas s’attarder sur les personnages (trop) secondaires ; et de s’attaquer ainsi au sujet, d’actualité, et tellement moderne. 

Et puis ‘Deux femmes et quelques hommes’, ce sont surtout des situations cocasses, telle celle du hamster qui a pris plus d’importance que l’autre au sein du couple, ce sont ces petites piques et ces attaques sur ce que représente la prison (l’enfermement au quotidien) cet absence d’écoute et d’empathie. C’est également ce regard porté sur la jeune Maman qui vient d’accoucher et qui est un peu perdue, et dont le mari la néglige (voire plus…)… Finalement autant de situations et de thèmes qui s’inscrivent dans un courant révélateur de nos maux modernes et de cette insécurité psychologique permanente. 
On rit beaucoup à la scène du déshabillage (effeuillage !) improvisé à la fenêtre, sous les yeux ébahis d'un ouvrier perché sur un poteau : on sourit alors qu’on assiste à une recherche de ‘postulants’ adéquats parmi les fiches des candidats de sites de rencontre. Et puis avouons que la réalisatrice ose des scènes qui deviennent d’anthologie avec ce petit brin de folie, et un caractère assumé et totalement désinhibé ; celle du cunnilingus à elle seule vaut le détour, un brin suggestive mais sans aller trop loin, soulignant simplement l’abandon de la jeune maman !
Mais reconnaissons aussi que voir le plaisir ou le désir se manifester chez une femme est bien plus joli que s’il s’agissait de celui d’un homme ; et là, la réalisatrice touche une corde sensible, et probablement ancre son film dans une dynamique moderne et nécessaire, après #MeToo, après des procès qui soulignent des indignités sans nom. … et après, après… la liste est bien trop longue, encore plus alors que certains mouvements traditionalistes (on pense aux ‘trad wives’ aux USA) renverraient presque les femmes dans les conditions qui étaient les leurs au XIXème siècle !
Alors reconnaissons que la réalisatrice offre de bien jolis portraits à ses actrices et les dépeint avec tendresse et finesse.

Nous avons été touchés par la sincérité et la justesse du propos, par l’énergie qui se dégage des actrices (et des acteurs également) et par le ton, drôle, caustique et ‘vrai’ ! …Rien d’exagéré dans cette histoire, avec ces personnages piégés dans une existence cadré et sans réelle possibilité d’évasion. Mais quel plaisir d’accompagner FLORENCE et VIOLETTE dans leurs explorations. 

Le film est sur les écrans le 4 mars.

Synopis : Violette et Florence sont voisines de palier et s’observent. L’une, en congé maternité, est à fleur de peau ; l’autre, en arrêt de travail, ne ressent plus rien. Leur rencontre bouscule soudain leur quotidien monotone et leur regard sur les hommes.... Et s’il était temps d’envisager une révolution sexuelle ?

Sylvain Ménard, février 2026

EQUIPE TECHNIQUE ET ARTISTIQUE
Réalisation : Chloé Robichaud
Scénario : Catherine Léger
Production : Martin Paul-Hus, Catherine Léger
Maison de production : Amérique Film
Direction de production : Michel Croteau
Production exécutive : Fabrice Lambot, Pierre-Marcel Blanchot
Direction de la photographie : Sara Mishara
1re assistante à la réalisation : Noémie Sirois
Direction artistique : Louisa Schabas
Création de costumes : Patricia McNeil
Maquillage : Djina Caron
Coiffure : Vincent Dufault
Prise de son : Stephen De Oliveira
Montage image : Matthieu Bouchard, Chloé Robichaud
Conception sonore : Sylvain Bellemare
Mixage : Luc Boudrias
Musique originale : Philippe Brault
Distribution des rôles : Karel Quinn & Lucie Llopis

CASTING
FLORENCE : Karine Gonthier-Hyndman
VIOLETTE : Laurence Leboeuf
DAVID : Mani Soleymanlou
BENOÎT : Félix Moa
ÉLI : Juliette Gariépy
JESSICA : Sophie Nélisse

Après "Que notre joie demeure" en 2024 ; et "L’Agneau", sorti quant à lui en 2025, Cheyenne-Marie Carron revient avec un sujet d'actualité qu'elle transforme en un conte moderne et empli d'espoir, où curieusement nous vient à l'esprit le terme de 'spiritualité'.  

De la lenteur et de ce sentiment de paix intérieure qui se dégage parfois à la vision du film, et de ces instants où le doute émerge, des conflits sous-jacents et de l'angoisse qu'on perçoit ; nait une œuvre profondément sincère et unique, car elle nous invite à l'introspection et dans le même temps à l'ouverture aux autres. Doté d'une solide distribution avec ses acteurs d'horizons et de confessions différentes, le métrage prend des allures de parabole et de message autant philosophique que résolument humaniste… Et avouons le tout net, en ces temps d'égoïsme et de repli sur soi, sa vision nous offre un réconfort certain. 

Avec subtilité - car il en faut - la réalisatrice nous demande de nous poser les bonnes questions, non pas quant à notre spiritualité ou notre foi, et ce quelle que soit la forme qu’elles prennent ; mais bien quant à notre capacité à ‘ouvrir les yeux’ et à nous affranchir de nos idées reçues. Et lorsqu’on parle du Proche Orient, de la paix et de la cohabitation entre cultures et fois différentes, quitte à user du terme de ‘coexistence pacifique’, nul doute qu’il n’y ait débats et avis tranchés.

Alors que nous soyons croyants ou non, ou bien qu’il y ait une étincelle en nous, de celle qui nous fait espérer que demain puisse être meilleur ; "L’Eden", sans exagération mais par petites touches, insistant sur la tolérance et la compréhension, finit par nous apporter comme une sensation de délivrance, comme si nous entrions en communion avec cette terre que filme la réalisatrice et ces humains qui la peuple, aussi différents qu’inspirés par des sources spirituelles ou philosophiques autres. 
Film profond, que Cheyenne-Marie Carron porte à bout de bras, "L'Eden" est un magnifique message, sans aucune facilité, et surtout sans jugement ni pathos ; un message qui sublime ce que l'humain porte de meilleur en lui, sa capacité à écouter et à comprendre.  

Synopsis : Joseph, 30 ans, chrétien de confession, se consacre à sa petite chapelle perdue sur les terres du Moyen-Orient. Régulièrement, il est amené à rencontrer des patrouilles de soldats israéliens et des religieuses dans un couvent. Dans ce contexte géopolitique tendu, il reste à l’écart du conflit et développe des relations amicales avec tous. Au fil du temps Joseph tissera une relation amicale, fraternelle, avec Ruben, soldat Israélien. Jusqu’au jour où leur chemin croiseront celui d’un Islamiste gravement blessé…

Sylvain Ménard, février 2026

Casting : 

Rôles principaux :
Johnny AMARO 
Dan KADOSH 
Sofiane KADDOUR

Rôles secondaires :
Frédérique NAHMANI 
Joëlle HADDAD 
Mikael PEREZ 
Adhal BARRA 
Habib GUABINTANI 
Love BOWMAN

Technique : 

Réalisatrice, Productrice, Cheffe opératrice, Régisseuse Générale : Cheyenne-Marie CARRON
1er assistant mise en scène : Jonathan LOUIS
2nd assistant mise en scène : Farès BEN MAOUYA
Assistant Caméra / pointeur : Louis VIAU
2nd Assistant Caméra : Orianne MES
Chef Electro : Hugo JAMAIN
Ingénieur de son : Mathieu ORBAN
Perchman : Félix VATON
Costumière : Marina MASSOCCO
Scripte : Marion BALCON
Régisseur : Gregory LEMOINE
Régisseur : ANWAR LAADAM

Liens articles :

Que notre Joie Demeure
https://www.cinemaradio.net/news/que-notre-joie-demeure-le-film-profondement-humain-et-poignant-realise-par-cheyenne-carron-sort-sur-nos-ecrans-le-24-avril-730

L’Agneau
https://www.cinemaradio.net/news/le-dernier-film-de-cheyenne-marie-carron-lagneau-est-sur-nos-ecrans-cest-un-film-qui-vous-saisira-vous-interpellera-901

C’est un métrage finalement très référencé que nous propose le jeune réalisateur Philipp Yuryev. Certes nous sommes sur un terrain ‘classique’ de forme, illustrant l’isolement et une vie austère, celle d’un jeune homme qui se sent perdu dans son village isolé en bord de mer dans le détroit de Béring. Ainsi ‘Le Chasseur de Baleines’, c’est l’histoire de Leshka,  qui se confronte à des ‘visions d’ailleurs’ - par le biais de l’accès à internet - par cette ‘attirance’ et ce besoin qu’il ressent de découvrir ce voisin tout proche, les États-Unis. Et  c’est surtout un film sur la transition qui s’opère à la fin de l’adolescence, entre l’épanouissement propre à chacun, les désirs, l’envie de changer et de découvrir ; et cette mise à disposition d’une multitude de choses (et pour certaines contestables) - il est difficile d’user d’autres mots - sans filtres et sans repères qu'offre internet et nos échanges modernes (trop).
Ainsi l’émancipation telle que racontée par Philipp Yuryev, passe par l’acceptation de ce que l’on est, par nos décisions et notre volonté de nous affranchir de ce que nous étions… de grandir !

‘Le Chasseur de Baleines’ prend sous nos yeux la forme d’une belle quête initiatique, celle de Leshka, un jeune homme simplement confronté à ses envies, lesquelles lui apparaissent fréquemment comme des besoins, alors qu’elles ne sont que des pulsions. Cette dimension est évoqué alors avec tendresse par le réalisateur, qui laisse son personnage vivre ses expériences et apprendre d’elles, se confronter à la réalité et se trouver. 
Ce parcours n’est pas sans embûches, mais comme dans toute quête et mise à l’épreuve, Leshka trouvera sa voie et se trouvera, lui.
C’est d’ailleurs ici que la quête de notre personnage prend cette tournure si caractéristique, lors de son cheminement (dans tous les sens du terme), parcourant des paysages austères et magnifiques, se questionnant et se perdant avant de se retrouver, le tout cadré dans un 4:3 qui nous enferme et nous impose de le suivre quelle que soit sa destination.

Assez envoûtant, ce voyage poétique et immersif, que désormais nous pouvons nommer quête, délivrera son message entre comédie et drame, et avant tout avec une profonde humanité.  

Synopsis : Leshka est un adolescent qui vit dans un village isolé sur le détroit de Béring, situé entre la Russie et l’Amérique. Comme la plupart des hommes de son village, il vit de la chasse de la baleine et mène une vie très calme à l’extrémité du monde. Avec l’arrivée récente d’internet, Leshka découvre un site érotique où officie une cam girl qui fait naître en lui un désir d’ailleurs...

Sylvain Ménard, janvier 2026

CASTING
Leshka : Vladimir Onokhov
Le garde-frontière : Arieh Worthalter 
La fille d’Amérique : Kristina Asmus 
Kolyan : Vladimir Lyubimtsev
Le grand-père : Nikolay Tatato
La blonde : Maria Chuprinskaya

ÉQUIPE TECHNIQUE
Scénario et réalisation : Philipp Yuryev
Images : Mikhail Kursevich, Yakov Mironchev
Montage : Karolina Maciejewska, Alexander Krylov, Philipp Yuryev 
Son : David Vrancken
Musique : Krzysztof A. Janczac
Costumes : Boris Kukolkin
Maquillage Lana Kaun
Direction Artistique et Production : Aleksey Uchitel
Co-Production : Kira Saksaganskaya, Marion Hänsel, Jacek Kulczy- cki, Magdalena Zimecka, Radoslawa Bardes

Il est au préalable à noter que la vision de la réalisatrice de l’Afrique dans son ensemble, et de son pays en particulier, est toujours aussi fine et révélatrice de ce temps qui passe et des préjugés qui demeurent quant à la vie des uns et des autres, de leurs coutumes ou de leur traditions. 
Ce qui était déjà le cas avec ´Sous les figues’, trouve avec ‘Promis le ciel’ un écho - même s’il est différent, le sujet l’étant - avec cet ancrage dans le quotidien et ce vécu de trois migrantes, trois femmes dissemblables, mais unis dans une même volonté de se battre et d’accéder à une vie meilleure.
L’intelligence du propos est évidemment en premier lieu de mettre en relation des réalités actuelles (et factuelles…) avec la crise des migrants, le racisme dont peuvent souffrir les populations noires en Tunisie, et cette problématiques du monde moderne, des femmes et de leur place.
Comme toujours, les portraits que fait Erige Sehiri de ces personnages sont particulièrement bien esquissés, les actrices et les acteurs, toujours dans leur rôle, tout en nous offrant des interprétations de qualité. 
Le sujet est universel, faisant référence à la vie des gens et à leurs droits, sans omettre de pointer du doigt les manquements des gouvernements aux promesses qu’ils avaient pu faire. Mais il met également en exergue les sursauts des individus, leurs luttes pour survivre parfois… et l’entraide qui en découle. 

La réalisatrice nous invite ainsi à porter notre regard sur les difficultés inhérentes au continent africain, celui de la migration, celui du regard des autres et de l’ostracisme ; et ces discours accompagnent les pérégrinations de ces trois migrantes, qui envers et contre tout, continuent d’avancer et d’essayer de s’affirmer. 
Sans doute le sujet est-il plus ‘sombre’ ici, plus austère ; et dans sa façon d’être traitée, et dans sa façon d’être appréhendé par le spectateur. N’en demeure pas moins que la réalisatrice brosse trois beaux portraits, ceux de ces femmes modernes et combatives dans un pays et sur un continent qui lentement évoluent.

Synopsis : Marie, une femme pasteur ivoirienne et ancienne journaliste, vit à Tunis. Elle héberge Naney, une jeune mère en quête d’un avenir meilleur, et Jolie, une étudiante déterminée qui porte les espoirs de sa famille restée au pays. Quand les trois femmes recueillent Kenza, 4 ans, rescapée d’un naufrage, leur refuge se transforme en famille recomposée tendre mais agitée dans un climat social de plus en plus préoccupant.

Sylvain Ménard, janvier 2026

Promis le ciel (2025)

Distribution : 
Aïssa Maïga : Marie
Laetitia Ky : Jolie
Debora Lobe Naney : Nanney
Estelle Kenza Dogbo : Kenza
Foued Zaazaa : Foued

Technique :
Réalisation : Erige Sehiri
Scénario : Erige Sehiri, Anna Ciennik, Malika Cécile Louati
Photographie : Frida Marzouk
Montage : Nadia Ben Rachid
Musique : Aymen Laabidi
Production : Didar Domehri, Erige Sehiri
Sociétés de production : Henia Production, Maneki Films
Sociétés de distribution : Jour2fête (France) ; Luxbox (international)

Lien : https://www.cinemaradio.net/news/sous-les-figues-le-film-intemporel-de-erige-sehiri-sort-sur-nos-ecrans-le-7-decembre-505

Aussi c’est au niveau des choix scénaristiques qu'Irene Iborra Rizo, s’affranchit d’une ‘norme’, et de ‘standards’. Ainsi y a-t -il comme une sorte de magie qui surgit par instants dans le film, des moments de beauté ou de tensions qui prennent la forme de cauchemars, et soulignent l’extrême faiblesse psychologique des personnages. Mais comme nous voyons le monde - ce monde-ci - au travers de leurs yeux, nous adoptons un autre point de vue. Et c’est alors que cette histoire d’une famille qui se retrouve à la rue, étant obligé de trouver un appartement par le biais d’une association, touchera tous les publics… et s’avèrera universelle !
On y parle de difficultés d’intégration et du destin qui frappe les gens ou de l’indifférence qui régit ce monde ; mais on y parle aussi d’entraide, d’empathie et de générosité ; et de la possibilité de prendre un nouveau départ. Et au travers de ces regards d’enfants, la réalisatrice nous parle d’espoir.

Le fait d’exprimer des sentiments complexes et de mettre en scène les drames qui nous frappent - cette vie qui soudain devient ‘invivable’  - ajoute à la complexité du propos, et dans le contexte d’un film d’animation, représente une prise de risque évidente.
Mais la technique utilisée, le soin apporté aux personnages et à leur caractères, font qu’ils gagnent en crédibilité ; et que, quand bien même ils ne sont pas réalistes, cela permet au spectateur de se sentir concerné et touché par l’histoire et ses protagonistes.
Même si l’on sent qu’il y a un rapprochement à faire avec l’histoire récente et les crises que nous vivons ; le sujet, de grave, devient plus léger, faisant ressortir grâce à ces enfants pugnaces et mobilisés, le meilleur de l’être humain. Une belle leçon d’humilité pour nous autres adultes, et d’espoir en l’avenir, en ce que - EUX - pourront en faire !

La grande complexité du travail avec les marionnettes, c’est qu’il faut réussir à leur donner de la texture et une âme ; et sur ce film il est plus qu’évident que l’équipe technique, les concepteurs, les peintres, les marionnettistes… les animateurs ; ont réussi au-delà de toute attente. L’amour mis au service d’une belle histoire, c’est également ce qui nous aura marqué ici.
OLIVIA est un joli film pour tous les âges, un message et une réflexion nécessaire sur le devenir, la résilience des enfants et de la force qu’ils portent en eux.

SYNOPSIS : À 12 ans, Olivia voit son quotidien bouleversé du jour au lendemain. Elle va devoir s’habituer à une nouvelle vie plus modeste et veiller seule sur son petit frère Tim. Mais, heureusement, leur rencontre avec des voisins chaleureux et haut en couleurs va transformer leur monde en un vrai  lm d’aventure ! Ensemble, ils vont faire de chaque dé  un jeu et de chaque journée un moment inoubliable.

L’article sur la musique du film ici…

Sylvain Ménard, janvier 2026

Équipe artistique : 
Réalisation : Irene Iborra Rizo
Scénario : Irene Iborra Rizo, Júlia Prats, Maite Carranza,
Adapté du roman La vie est un film (La pellícula de la vida) de Maite Carranza publié en français par Alice Éditions
Création graphique : Morgan Navarro
Produit par Mikel Mas Bilbao, Ramón Alós, Irene Iborra Rizo, Eduard Puertas, Jean-François Le Corre, Mathieu Courtois, Hugo Deghilage, Vincent Tavier, Bernardita Ojeda, Nicolas Burlet
Directrice de production : Susana Martín
Première assistante réalisatrice : Dorien Schetz
Story-boarders : Maca Gil, Juan De Dios Pozuelo, Dani Albadalejo, Javi Salvador, Pepe Sánchez
Chef animateur : César Diaz
Directrice de la photographie : Isabel de la Torre
Cheffe monteuse : Julie Brenta
Chef décorateur : Juanfran Jacinto
Chef de la fabrication des marionnettes : Eduard Puertas
Che es costumières : Alicia Velasco, Kristina Vorobyeva
Chef compositing : Sylvain Lorent
Directrice des voix françaises : Marie-Line Landerwyn
Montage des voix françaises : Charles de Ville
Monteur son : Charles de Ville
Musique originale : Laetitia Pansanel-Garric, Charles de Ville
Une coproduction : Citoplasmas Stopmotion (Espagne), Kinetic Armatures (Espagne), Cornelius Films (Espagne), Bigaro Films (Espagne), Vivement Lundi ! (France), Panique ! (Belgique), Pájaro (Chili), Nadasdy Film (Suisse)

Voix :
Eliza Cornet (Olivia), Gaspard Rouyer (Tim), Maia Baran (Ingrid), Tim Belasri (Lamine), Nadès Bibo Transia (Vanessa)

Crédit photos : © CITOPLASMAS / KINETIC ARMATURES / CORNELIUS FILMS / BÍGARO FILMS / VIVEMENT LUNDI ! / PANIQUE! / PÁJARO / NADASDY FILM_1

Réellement atypique et rarement montré à l’écran sous cette facette-ci, le personnage central, Adam, une personne qui a peur d’aller vers les autres, qui a peur du conflit et qui s’enferme dans une sorte de solitude ; est la somme de nombre de nos angoisses, de nos questionnements, le tout réuni en une seule personne. Mais loin de n’être qu’un catalogue de pathologies diverses, d’anxiétés révélées ou relevant des peurs que suscitent quantité de choses et d’évènements auxquels nous sommes confrontés - et Adam a une peur panique de la vie et des autres, du monde dans lequel nous vivons et du dérèglement climatique - ; l’histoire propose de nous inclure dans sa vie et de le voir évoluer.
Toute la force du scénario d’Anne Émond, est alors de réussir à installer un petit miracle d’équilibre sans pathos, sans se moquer de son personnage, mais en l’accompagnant et en le montrant tel qu’il est et tel qu’il souhaiterait être. 
Et ajoutons qu’il est agréable de voir une réalisatrice s’attaquer à un aussi beau portrait masculin. Ce n’est pas rare à ce point, mais cela reste suffisamment anecdotique pour être souligné.
De l’impossibilité à communiquer, en passant par la recherche de l’âme sœur, ou peut-être tout simplement en quête d’une oreille attentive ; la réalisatrice nous happe dans son histoire touchante et réfléchie, où elle se joue de certains codes, osant le rire et la dérision, nous touchant avec sa sincérité et son espoir en l’amour, y ajoutant comme une petite touche d’insouciance qui transparait par instant.

On se souvient de son film ‘Jeune Juliette’, qui nous avait totalement enthousiasmé et mis du baume au cœur, un « Feel, Good movie » comme on les aime ; et ici, sans atteindre tout à fait à la même dimension ou à la même notion, c’est l’humanité qui est évoquée. Ce sont nos peurs et nos craintes, des plus intimes au plus révélatrices, qui sont au cœur du propos et qui au final nous offrent ce grand et beau portrait d’un être figé dans son ‘univers’, attentif mais surtout craintif.
Avec beaucoup de tendresse, la réalisatrice évoque un monde qui souvent nous échappe, celui de personnes qui ne se sentent pas comme les autres, celui d’êtres qui souffrent et peinent à exprimer où se situe leur souffrance, et pourquoi ils la ressentent. Et finalement, elle nous pose à nous la question essentielle : mais que ressentons-nous ?
Au delà du message tangible, s’en cache un autre moins évident mais plus pressant quant à l’état de notre planète et aux relations que nous entretenons les uns avec les autres. Si l’actualité nous désespère fréquemment, soyons heureux d’avoir des réalisateurs ou des réalisatrices qui osent s’affranchir de certains codes, lançant un avertissement tout en nous propulsant dans leur création, non exempte de défaut, mais assurément plus joyeuse !

Il y a au demeurant dans le film d’Anne Émond un dernier message qui nous échapperai presque quant à l’impact que peuvent avoir des personnes telles qu'Adam, qui finalement, réussissent à éveiller les autres à leur problème, ainsi qu’à des choses qui, en général, nous laissent indifférent. Un beau message d’humanité et un beau message de compréhension.

Un dernier mot sur ce cinéma. Il est évident que regarder tous les films, tout connaître, relève de la gageure ! Mais à nos yeux, nous avons souvent trouvé de très beaux sujets dans le cinéma québécois, des histoires originales et différemment traitées. 
Nous nous étions déjà attardés sur ‘Chien Blanc’ de la réalisatrice Anaïs Barbeau-Lavalette ; ‘Le Déserteur’ de Maxime Giroux ; ‘Jeune Juliette’ d’Anne Émond (le voici) ; sur ‘Je m'appelle Humain’ de Kim O'Bomsawin (membre de la communauté d'Odana) ; ‘Nadia Butterly’ de Pascal Plante ; ‘La Déesse des mouches à feu’ d’Anaïs Barbeau-Lavalette ; ‘Invincible’ de Vincent René-Lortie ; ‘Dissidente’ de Pier-Philippe Chevigny ; sans oublier le remarquable ‘Dis-moi pourquoi ces choses sont si belles’ de Lyne Charlebois ; et le non-moins remarquable film d’animation ‘La Mort N’existe Pas’ de Félix Dufour-Laperrière !
Nous vous invitons à découvrir certains de ces titres - si ce n'est déjà fait -, reflets d'un autre cinéma et de thèmes souvent montrés d'une autre façon, à l'aune d'une culture différente. 

Synopsis : Propriétaire d’un chenil, Adam, 45 ans, est co-anxieux. Via la ligne de service après- vente de sa toute nouvelle lampe de luminothérapie, il fait la connaissance de Tina. Cette rencontre inattendue dérègle tout : la terre tremble, les cœurs explosent... c’est l’amour !

Sylvain Ménard, janvier 2026

Casting :
ADAM : Patrick Hivon
TINA : Piper Perabo
ROMY : Élizabeth Mageren 
EUGÈNE : Gilles Renaud
FRANK : Éric Kamala Boulianne 
SCOTT : Gord Rand
TOM : Connor Jessup 
ROSE : Leona Son
TAYLOR : Sienna Feghouli 
DENIS : Denis Houle
SIMON : Jean-Carl Boucher 
RENÉ : Benoît Mauffette 
CATALINA : Arlen Aguayo Stewart 
M. VEILLEUX : Martin Dubreuil

Technique
RÉALISATION ET SCÉNARISATION : Anne Émond
IMAGE : Olivier Gossot
CONCEPTION VISUELLE : Sylvain Lemaitre
ASSISTANCE À LA RÉALISATION : Cédrick Kluyskens
DISTRIBUTION DES RÔLES : Nathalie Boutrie, Jon Comerford, Hannah Antaki, Stephanie Holbrooke
CRÉATION DES COSTUMES : Patricia McNeil
MAQUILLAGE : Marie Salvado
COIFFURE : Nermin Grbic
MONTAGE : Anita Roth
SON : Stephen de Oliveira, Sylvain Brassard
MUSIQUE ORIGINALE : Christophe Lamarche Ledoux
ÉTALONNAGE : Jérôme Cloutier
EFFETS SPÉCIAUX : Louis Pedneault
EFFETS VISUELS : Olivier Masson
DIRECTION DE POST-PRODUCTION : Maëva François, Mélanie Gauthier
PRODUCTION : Metafilms Sylvain Corbeil
PRODUCTION EXÉCUTIVE : Anne Émond, Isil Gilderdale, Emily Harris, Donovan M. Boden, Harland Weiss, James Cunnigham, Dominic Thomas
DIRECTION DE PRODUCTION : Marie-Claire Lalonde

Liens : 
La chronique de JEUNE JULIETTE : https://www.cinemaradio.net/news/jeune-juliette-la-surprise-de-cette-fin-dannee-153

L’interview : https://www.cinemaradio.net/news/jeune-juliette-linterview-de-anne-emond-154