Instruite dans les arts et la musique, Hortense développera un goût certain pour l’écriture et la mélodie, certaine de ses œuvres ayant marqué son temps. Mais c’est au travers de ses romances - plus de 150 opus - qu’elle se fera connaître.

Ce bel album propose à l’auditeur de découvrir dix huit œuvres crées au 18ème et 19ème siècle, certaines de compositeurs très connus tels Louis Adam ou Franz Schubert, et bien évidemment d’Hortense de Beauharnais qui est particulièrement bien représentée avec cinq ‘romances’ ! 
Délicatement porté par les voix et des instruments dont la substance semble se diluer au grès de ces interprétations, l’ensemble donne à écouter des morceaux subtils où la poésie et la douceur, avec parfois comme une sensation d’intimité partagée, sans oublier d’ajouter l’excellence et la finesse de l’interprétation, deviennent les maîtres mots de ces instants qui raviront les mélomanes. C’est au travers de leur brièveté et leur délicatesse, que ces miniatures nous touchent, réussissant à jeter un pont par delà les décennies, voire les siècles ; les passage écrits par Hortense de Beauharnais reflétant pour leur part une certaine nostalgie, parfois teinté de tendresse. 
On notera la présence sur ce ‘catalogue’ d’une autre compositrice, Hélène de Montgeroult, une personnalité rare et qui aura très tôt mis en avant la légitimité des femmes et leur droit à composer et à se trouver à l’avant-garde de l’expression musicale. On la considère comme l’une des premières romantiques, si ce n’est la première.

Qui sait alors si cette écoute ne donnera pas envie d’approfondir cette rencontre avec des personnalités incomparables mais peu connues de notre histoire musicale !

L’album ’Hortense, compositrice et son temps’ est disponible en streaming, et est en vente, dans sa version physique, en boutiques et sur sites.

Sylvain Ménard, août 2025

Hortense, compositrice et son temps
Hortense de Beauharnais (1783 – 1837)
1. Romance “Peu connue point troublée” CLH, EOG*, FRO – 4’16
Guillaume-Pierre-Antoine Gatayes (1774-1846)
2. L'amant délaissé, CLH, FRO – 3’45
Louis Adam (1758 – 1848)
3. Romance andantino grazioso (Sonate pour le pianoforte seul op. 7), EOG* – 4’08
Giovanni Paisiello (1740 – 1816)
4. Nel cor piu non mi sento (tiré de l’Opéra La Molinara), CLH, EOG*, FRO – 3’48
Ferdinando Paer (1771-1839)
5. La placida campagna (Polonaise Favorite, chantée par Madame Catalani en 1818) DTH, LGR** – 5’25
George Onslow (1784-1853)
6. Pièce II. Andantino quasi Allegretto, LGR** 2’06
Hélène de Montgeroult (1764 – 1836)
7. 4eme Étude de main gauche, LGR** 1’04
George Onslow (1784-1853)
8. Pièce IV. Allegretto molto espressivo, LGR** 1’51
Vincenzo Bellini (1801-1835)
9. Ma rendi pur contento No. 6 - Sei Ariette, DTH, LGR** – 2’43
George Onslow (1784-1853)
10.Pièce III. Allegretto con molto, LGR** 1’42
Hortense de Beauharnais (1783 – 1837)
11. Romance : La Complainte d’Héloïse au Paraclet, CDU, AZY – 2'30
12. Romance : Quelle est cette femme éplorée, CDU, AZY – 3’45
Jan Ladislav Dussek (1760 – 1812)
13. Duo concertant pour Harpe et Piano op.73 (Larghetto) , MNA, SBA* – 6’44
Johann Franz Xavier Sterkel (1750-1817)
Douze romances ou chansons anacréontiques dont six imitées de Pétrarque avec accompagnement de pianoforte ou harpe, flûte ou violon. Poésie de Mr Le Méteyer
14. L’illusion de l’amour (les oiseaux), CDU, AZY*, AKO, 2’30
15. Plainte nocturne, CDU, AZY*, AKO, 1’4
Franz Schubert (1797 – 1828)
16. Variations sur un thème français en mi mineur D. 624 [sur la romance « Le bon chevalier » d’Hortense de Beauharnais, 1818/22], LMO, ETO** – 15’03
Hortense de Beauharnais (1783 – 1837)
17. Romance « La Mélancolie », Les Lunaisiens - 3’15
18. Romance « Le beau Dunois, En partant pour la Syrie », Les Lunaisiens- 3’27

Au risque d’user d’une sorte d’expression barbare, avec cet album nous sommes carrément plongés de plain-pieds dans la musique traditionnelle, nous frottant à des morceaux parfois courts et n’excédant que rarement plus de deux minutes, trois d’entre eux faisant plus de quatre minutes, et un seul dépassant les cinq minutes ; c’est vous dire si cette présentation prend la forme la plus évidente qui soit, celles de ballades, de petites miniatures. 
Portés par les accents souvent joyeux et vigoureux des instruments, les musiciens suédois (comme il se doit) interprètent les vingt-deux morceaux de l’album, l’occasion pour nous de découvrir, Daniel Pettersson au nyckelharpa, la chanteuse Kersti Stâbi, Maria Jonsson au violon et au quinton d’amour (de la famille des violes), ainsi qu’Olof Misgeld à l’alto.

Quand nous parlons de découvrir, il est évident que s’immerger dans une œuvre de ce type est peu évident, et ce pour plusieurs raisons. La principale est probablement que le monde actuel porte moins d’intérêt aux musiques vivantes, issues du folklore ou de la tradition, car relevant de niches et par là même (vous savez ces fameuses ‘niches’ que nous évoquons régulièrement) destinées à un public averti. 
On parle également de pièces qui touchent un public réduit, classiques de forme et très traditionnelles, devenant de ce fait peu rentables en vue d’une ‘diffusion live’, ce qui explique qu’elles soient peu jouées. Ce raisonnement tient (tristement) avec la musique contemporaine, pourtant bien présente ne fut-ce qu’en terme d’œuvres produites et diffusées, mais moins reprises sur des programmes et des saisons culturelles et musicales.

Quoiqu’il en soit, ne boudez pas votre plaisir, ‘La Nyckelharpa’ est un joli album, pas facile d’accès sans doute, mais éminemment plaisant et inspirant.

Sylvain Ménard, avril 2025

 
Parution : 14.03.2025
Editeurs : Outhere / Ocora
Thèmes : Musique traditionnelle
Distributeur : Outhere
ISBN : 3415820001019
Référence : C561177
1 CD. Durée 63’24 (Parution initiale C560177, mai 2003)

Fabriqué avec du bois de Paulownia (également nommé Arbre impérial), le Geomungo fait partie de la famille des cithares, et est constitué d’une ‘caisse de résonance’ qui permet à l’instrumentiste de jouer et d’insuffler des émotions dans son interprétation, qui bien souvent donnent une impression de lenteur et de langueur, symptomatique des œuvres écrites spécifiquement pour cet instrument.
Pour celui qui n’est pas coutumier de la musique asiatique, nul doute qu’il se perdra quelque peu dans un univers sonore qu’il ne connait qu’au travers de films ou documentaires. Pour celui qui connait cette musique asiatique et à l’habitude d’écouter des symphonies, des concertos et diverses œuvres, de factures relativement modernes et s’inscrivant dans le XXème siècle*, il reconnaitra les sonorités incomparables des cordes pincées d'origine très ancienne et dérivé du fameux Guqin chinois, appelé ‘l'instrument des sages’.
On ne peut qu’être frappé par la gestuelle qui entoure ces musiques, la douceur ou la brièveté dans l’expression d’un mouvement du corps ; plus que des ‘gestes’, des ‘placements’ qui contribuent à définir une sorte d’esthétique en même temps fluide, et minimaliste. Et minimaliste, cette musique l’est par définition, empreinte d’une forme de mélancolie (à nos oreilles européennes tout du moins), solennelle et basée sur des motifs lents, répétitifs et envoutants. C’est là toute la superbe de ces sonorités, de ces constructions rythmiques qui renvoient à une spiritualité puissante où le motif est souvent grave, procurant cette sensation de sérénité, telle une transe méditative qui ouvre les portes sur une dimension philosophique.

C’est Lee Jae-hwa qui joue ici de cet instrument dont on loue les qualités sonores mais également la façon d’en jouer, la pureté des gestes et leur délicatesse. La percussion Janggu est quant à elle jouée par l’éminent interprète Jung Hwa-young.

L’album est composé de deux suites, la Geomungo Hoesang originaire du sud de la Corée, et la Geomungo Sanjo issue du nord de la péninsule, chacune requérant des techniques et des rythmes différents, ainsi qu’un ’touché’ où la main et le plectre (la baguette - ou lamelle - dont on se sert pour faire vibrer les cordes) produit des sons, bruissements et grattements différents.

* Nous ne pouvons que vous renvoyer vers les labels Naxos ou Marco Polo, qui ont édité un conséquent catalogue d’œuvres de provenances diverses mais surtout de compositeurs issus de Chine, Japon, Corée… Leur collection ‘Japanese Classics’ est une remarquable initiative proposant tout un panel de compositeurs allant de très connus à d’autres moins. Pour sa part la collection ‘Chinese Classics’ (moins fournie) est digne d’intérêt, mais il vous faudra ‘naviguer’ sur le web un peu plus. Des œuvres sont disponibles sur le site de La Boîte à Musique, d’autres sur PrestoMusic… 

Sylvain Ménard, mars 2025

Corée, Cithare geomungo, traditions de la péninsule
Cithare Geomungo : Lee Jae-hwa
Percussion Janggu : Jung Hwa-young

Geomungo Hoesang
01. Sangnyeongsan
02. Jungnyeongsan
03. Seryeongsan
04. Garakdeori
05. Samhyeon Dodeuri
06. Hahyeon Dodeuri
07. Yeombul Dodeuri
08. Taryeong
09. Gunak

Geomungo Sanjo
10. Jinyangjo
11. Jungmori
12. Jajinmori 

Lien Japanese Classics : https://www.naxos.com/EditionSeries/Detail/?title=Japanese_Classics
Lien Chinese Classics : https://www.naxos.com/EditionSeries/Detail/?title=Chinese_Classics
Lien recherche ‘japanese’ : https://www.naxos.com/Search/KeywordSearchResults/?q=japanese
Lien recherche ‘chinese’ : https://www.naxos.com/Search/KeywordSearchResults/?q=chinese
Lien Marco Polo : https://www.naxosdirect.co.uk/labels/marco-polo-5833
Lien La Boîte à Musique : https://laboiteamusique.eu/fr/brand/marco-polo/?srsltid=AfmBOopcLQou5hBYUSInggLcVY1bpd4TQX3IZ4T7pL9Pio5DTwxQ42z-
Lien PrestoMusic : https://www.prestomusic.com/classical/search?search_query=japanese

Pour nombre de mélomanes, ce qui est symptomatique d’une composition (ou d’une transcription) pour orgue, est bien ce caractère souvent évanescent, cette sensation de profondeur et d’écho qui nous est offerte lorsque nous l’écoutons. Le cinéma s’en est souvent servi pour donner de la profondeur (justement) en suscitant de l’effroi ou de la tension. 
Instrument particulièrement exigeant, l’orgue est complexe et nécessite une maitrise sans faille. Nous ne nous engagerons pas sur ce sentier-là, mais avouons qu’écouter Lucile Dollat interpréter l’œuvre de Fabien Waksman, ou ses propres ‘improvisations’ qui sont d’ailleurs bien loin de n’être que ça ; c’est toucher du doigt à quelque chose de particulier, de fort.
Car entre des tonalités puissantes qui renvoient à des perceptions étouffantes parfois ; ou bien plus mystérieuses - quand elles ne sont pas perçues comme des impressions sonores fugaces - elles suscitent en nous des émotions contradictoires, s’avérant tout autant mélodiques que dissonantes ; et résolument ‘organiques’.
L’auditeur pourra ainsi avoir à certains moments l’impression que l’orgue joue avec les sensations en produisant des sons qui naviguent d’un bord à l’autre d’une structure mélodique, engendrant des phénomènes de réverbération comme s’ils se jouaient de l’acoustique de la salle.

Si l’Alborada del gracioso de Ravel peut surprendre celui qui n’avait jamais entendu cette œuvre dans sa version transcrite pour orgue, ; ces notes trépidantes et répétitives, cette forme si particulière, loin de l’interprétation au piano, et encore plus loin de celle pour orchestre, flamboyante et complexe ; elle offre une mise en perspective et une relecture originale profonde et différemment colorée.
L’auditeur sera peut être probablement plus à l'aise avec les compositions de Thomas Lacôte et Fabien Waksman, des œuvres plus modernes ou contemporaines pour orgue, et qui permettent avec la complexité et la profondeur des sonorités de l’instrument de développer des accords qui invitent à l’introspection, à la découverte.
Alain Jehan pour sa part a écrit ses œuvres vers la fin des années trente, des œuvres qui oscillent parfois entre réflexion philosophique ou religieuse - d’où le titre de ‘Litanies’ -, ou dans un cadre plus contemplatif comme nous l’offre son ‘Aria’. 
Quant aux ’Songes’ écrits et interprétés par Lucile Dollat, ils sont d’une facture délicate et particulièrement agréables à écouter. On y perçoit certaines aspirations, l’envie d’illustrer des instants brefs et poétiques… des images et des sensations. De jolies compositions qui s’inscrivent dans un cadre résolument mélodique.

Un album pour un instrument que chacun a au moins une fois entendu jouer, mais qu’on trouve plus rarement honoré que d’autres… Une belle initiative qui en sus nous permet de découvrir une jeune musicienne de grand talent ! 

À seulement vingt huit ans, Lucile Dollat, se produit en Europe et est titulaire de l’orgue Cavaillé-Coll* de l’église Notre-Dame de la Gare à Paris, ainsi que de l’orgue de l’église Notre-Dame des Vertus à Aubervilliers. Elle est également organiste en résidence à Radio France, sur l’orgue de l’Auditorium de la Maison de la Radio et de la Musique.

* du nom de l’artisan d’Art qui l’a construit, Aristide Cavaillé-Coll, qui était, ce qu’on nomme, un facteur d’orgue.

Note : 'Night Windows', le titre de l'oeuvre de Fabien Waksman, sert de thème général au récital de Lucile Dollat, déployant les multiples possibilités sonores du grand orgue Grenzing de l'Auditorium de la Maison de la Radio et de la Musique. Cette « fenêtre ouverte sur la nuit » nous invite à un itinéraire imprévisible, à l'écoute de sonorités mystérieuses, impalpables ou tonitruantes, suscitant des évocations fugitives et poétiques, des fulgurances improvisées, et conférant une parure sonore renouvelée à quelques pièces du répertoire. 

Sylvain Ménard, février 2025

Night Windows
Lucile Dollat (Orgue)
François Vallet (Percussions)
Label : Tempéraments
Ttp : 72’53

Maurice Ravel
01. Alborada del gracioso (transcription Lionel Rogg) 7:48

Lucile Dollat
02. Songe 1. 3:53

Thomas Lacôte
03. La nuit sera calme 15:15

Lucile Dollat
04. Songe 2. 6:32

Fabien Waksman
Night Windows (Three paintings for organ after Richard Pousette-Dart)
05. Hieroglyph, Black 10:05
06. Genesis, Red 03 5:03
07. Radiance, Blue 6:48

Lucile Dollat
08. Songe 3. 5:21

Jehan Alain
09. Aria 7:19
10. Litanies 4:43

L’un des plus prestigieux évènements du monde de la musique, les Grammy Awards, est comme chaque année l’occasion de découvrir des œuvres incroyables et de les récompenser. Au delà des genres et des métiers qui font la musique, c’est bien la reconnaissance de la qualité et de la créativité ainsi que les moyens mis en œuvres, ceci incluant l’enregistrement, les arrangements, la production, et jusqu’au packaging et aux éditions spéciales ; qui sont mis à l’honneur.

La cérémonie de cette session 2025, la 67ème, se déroulera à la Crypto.com Arena (anciennement le Staples Center) ; et ce sont pas moins de quatre-vingt dix récompenses qui seront remises aux heureux gagnants.
A ceux qui se poseraient la question, soulignons que l’académie a déjà tranché en 2023, rappelant qu’en réponse au (trop) rapide développement des domaines où intervient l’intelligence artificielle, « seuls les créateurs humains peuvent prétendre à être reconnus, nominés, et à pouvoir gagner un Grammy Award ». 

Souvenons-nous (l’article est ici) de Stephen Barton et Gordy Haab qui ont obtenu le Grammy Award de la meilleure bande originale pour un jeux vidéo et autres médias interactifs avec Star Wars Jedi: Survivor !

Nous souhaitons le meilleur à ce grand compositeur qu’est Cliff Eidelman, et reviendrons en temps voulu sur cette actualité.

Sylvain Ménard, octobre 2024

Liens : 
Symphonie n°1 : https://www.cinemaradio.net/news/cliff-eidelman-symphony-for-orchestra-and-two-pianos-night-in-the-gallery-701
Symphonie n°2 : https://www.cinemaradio.net/news/sortie-de-la-symphony-n2-de-cliff-eidelman-un-pur-joyau-dune-poesie-et-dun-lyrisme-incroyable-735
Star Wars Jedi: Survivor : https://www.cinemaradio.net/news/vinyle-sortie-chez-waxwork-records-de-star-wars-jedi-survivor-le-score-de-stephen-barton-et-gordy-haab-725

C’est la cheffe d’orchestre JoAnn Falletta qui dirige l’œuvre avec le philharmonique du Royal Liverpool. Les mélomanes la connaissent bien pour sa discographie qui laisse la part belle aux classiques modernes, impressionnistes et modernes. On lui doit un très joli album édité par Naxos, sur les œuvres de Florent Schmitt (La Tragédie de Salomé, Symphonic Poem, Op. 50, Musique sur l'eau, Op. 33, Oriane et le Prince d'Amour Suite, Op. 83bis, Légende, Op. 66), pour l’occasion la cheffe dirigeait le Buffalo Philharmonic Orchestra.

A l’instar de certain de ses confrères - on pense notamment à Cliff Eidelman - Danny Elfman semble avoir ‘profité’ de la pandémie pour parfaire et finaliser certaines de ses compositions et ainsi en va t-il du superbe ‘Cabinet des Curiosités’ (Wunderkammer dans le titre original) qui de poétique ou intriguant, évoluera vers l’étonnant ou le mystérieux, quand il ne tentera pas tout simplement de susciter l’effroi.
Nous ne manquerons pas de souligner cette volonté qu’il a de rester évocateur et d’expérimenter, jouant des impressions et de la sophistication dont il a toujours fait preuve (un simple rappel d’œuvres comme Sleepy Hollow ou L'Étrange Noël de monsieur Jack, suffiront à vous le prouver), une démarche similaire à celle des maitres de l’impressionisme, et qui s’accorde à la perfection avec l’univers mélancolique et fécond du compositeur.

Mais ce CD nous offre également une œuvre moins représentée au sein du monde classique, un ‘Concerto pour Percussion’, auquel le percussionniste écossais Colin Currie apporte une expertise plus que bienvenue.  
Nous avons par le passé avoué notre incapacité à exprimer nos sentiments à l’écoute de certaines œuvres ; force, puissance et éloquence, sont des mots qui reviennent fréquemment, mais qui manquent sûrement de précision. Ici le travail du musicien appuiera une composition plus aérienne et enjouée, très contemporaine avec ses glissandos, et la mélancolie (une fois encore) qui sourde subtilement des passages, et l’on prêtera attention au ‘toucher’ délicat de cet artiste des percussions.

Et enfin le titre ‘Are You Lost?’, qui est un joli mouvement presque joyeux (ce qui est somme toute ‘assez’ rare chez Danny Elfman), une œuvre pour chœurs et orchestre.  

Avec les œuvres ‘classiques’ de Danny Elfman, l’auditeur a toujours l’impression de baigner dans une sorte d’intemporalité, dans des mouvements qui - non contents de savoir nous replonger par moment dans ces arpèges flamboyants et ces orchestrations si reconnaissables - nous immergent dans un univers constamment en évolution et qui consacre la belle écriture d’un compositeur en permanente effervescence. 

Sylvain Ménard, juillet 2024

Percussion Concerto & Wunderkammer
Composé par Danny Elfman
Label : Sony Classical (mai 2024)
Ttp: 1:02:02

01. Wunderkammer: I (9:29)
02. Wunderkammer: II (6:56)
03. Wunderkammer: III (7:38)
04. Percussion Concerto: I. Triangle (6:26)
05. Percussion Concerto: II. D.S.C.H. (7:11)
06. Percussion Concerto: III. Down (9:44)
07. Percussion Concerto: IV. Syncopate (7:02)
08. Are You Lost? (7:40)

Nous avons eu récemment le plaisir de parler du nouvel album de Anousha Nazari, ‘In vino veritas. Hommage à Khayam’, une œuvre vibrante et superbe que la mezzo-soprano a sorti en mai 2024. C’est au cours d’une discussion avec elle, qu’a été évoqué son ‘Sounds of Ancestors’, une œuvre datant de 2021, et portée par son amour pour la Perse, sa musique, sa culture et ses poètes. 

Cet album est aussi éloquent et magique dans la puissance du phrasé et dans le volume qu’occupe la voix de la chanteuse lyrique, que sur son nouvel album. Si on se pose la question de savoir quel a pu être l’apport de Sounds of Ancestors dans sa carrière, il semble logique de penser qu’il aura servi à ‘structurer’ sa démarche, dans cette volonté de s’approprier cette forme d’expression. En allant vers des ‘miniatures’ (ce que fait, avec des compositions écrites pour l’occasion, In vino veritas. Hommage à Khayam), Anousha Nazari ré-emprunte un chemin laissé de côté par la musique classique contemporaine (ou moderne si vous préférez), alors que l’histoire du classique regorge de compositions dédiées au formes courtes. En quelque sorte, elle redonne vie à un genre (ou sous-genre), plus rarement traité de nos jours, qui fit les belles heures des siècles passés, fruit du travail de compositeurs renommés. 
C’est là d’ailleurs toute la subtilité de la chose ; réussir avec un nombre d’accords finalement restreints à insuffler une émotion particulière en donnant de l’envergure à ce qui reste bref par définition, en offrant la quintessence d’une sensation avec une économie de moyens et de temps.

Avec cet album s’affirme son goût pour les mélodies délicates et ces évocations parfois douces-amères, et nous découvrons cette voix extraordinaire qui nous envoûte. Ces sept ballades sont inspirées par sa Perse natale, et brillamment exécutée par la pianiste Jeyran Ghiaee. Les morceaux sont des œuvres signées de compositeurs iraniens, Mohammad Saeed Sharifian, Samin Baghcheban, André Hossein, et Morteza Hannaneh.

Sounds of Ancestors (mars 2020)
Anousha Nazari & Jeyran Ghiaee
01. The candle of Dawn (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Mohammad Saeed Sharifian) 03:45
02. You're the One I desire (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Samin Baghcheban) 02:02
03. Your two braids (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Samin Baghcheban) 03:10
04. Caravane (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & André Hossein) 03:43
05. Harp tune (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Mohammad Saeed Sharifian) 05:11
06. Omaggio a Ferdowci (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Morteza Hannaneh) 04:08
07. Omaggio a Saadi (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Morteza Hannaneh) 03:01
Ttp: 25:00

℗© Jordan Center for Persian Studies

Sylvain Ménard, juin 2024

Lien : https://www.cinemaradio.net/news/in-vino-veritas-hommage-a-khayam-lalbum-magique-de-anousha-nazari-sera-disponible-a-partir-du-3-mai-732

Alors que nous avons diverses compositions à l’esprit et pas des moindres, du Dracula de Philip Glass, au Golem de Karl-Ernst Sasse en passant par le Dracula ‘classique’, celui de la Hammer justement, composé par James Bernard ; bien évidemment nous reviennent en mémoire celles intimement liées à Nosferatu avec les œuvres signées Hans Erdmann (le film de 1922), avec Popol Vuh (et des extraits de Richard Wagner et Charles Gounod) pour la version de 1977, Nosferatu, fantôme de la nuit ; et nous n’oublierons pas de mentionner L'Ombre du vampire, qui se base quant à lui sur le tournage du film muet, avec une musique de Dan Jones.
Autant de sujets, autant d’approches*… Et même s’il paraît évident que Dracula et Nosferatu sont deux entités différentes, il paraissait raisonnable d’en mentionner quelques-uns ici, ne fut-ce qu’en regard de la notoriété des compositeurs qui ont œuvré dessus.

La puissante musique de NOSFERATU ´A Symphony of Horror’ consacre indéniablement le retour d’un Christopher Young plus épique et majestueux dans ses thèmes, comme le récent The Piper (lire l’article) nous l’aura prouvé. S’éloignant des scores parfois poisseux et très modernes de ces dernières années, il semble revenir à ces œuvres plus contemplatives et orchestrales, bien plus mélodiques.
C’est une composition magistrale, où l’impression dominante serait une forme de mélancolie, parcourue de mouvements vigoureux, et à d’autres moments sombres (gothiques… ?) et effrayants ; et qui s’inscrivent dans une démarche contemporaine.

Pour mettre en musique le Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau, Christopher Young écrit une partition incontestablement remarquable pour ce qui reste ‘le’ film expressionniste par excellence ! Écrivant une œuvre classique, moderne, - Chostakovich, Schnittke, ne sont que quelques noms qui nous viennent à l’esprit -, Christopher Young rend hommage à ces maîtres et au cinéma d’horreur. Entre ce qu’on nomme la musique de film - et qui au demeurant n’est ‘in finé’ que de la musique - et l’expression dans sa forme la plus pure de l’illustration sonore (ce qu’est une symphonie, un concerto, un opéra…), Young nous emmène avec lui dans un voyage somptueux auquel nous n’étions pas préparé.

Œuvre inspirée et foisonnante, malheureusement un peu trop courte, elle semblera aux oreilles des mélomanes comme ‘résonner’ parfois de quelques accords ou de 'tempis' qui nous renverraient à une phrase, une citation, comme lors ce mouvement lancinant qui ne serait pas sans nous faire penser au Dracula de Wojciech Kilar (dans le premier tiers de l’acte V, allant jusqu’à la moitié du morceau).

Musique de film, musique magistrale, musique de concert… NOSFERATU ´A Symphony of Horror’ est tout cela à la fois.

L’œuvre fut enregistrée les 24 et 25 février 2023 sous la tutelle experte du chef Franck Strobel et de l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich.

[Franck Strobel est connu pour son travail de reconstruction sur les partitions de Sergueï Prokofiev, pour Alexandre Nevski, Ivan le Terrible, et celle de la version restaurée de Metropolis. Son travail l’a également amené à promouvoir des ciné-concerts, et il est régulièrement invité en France par la Philharmonie de Paris et l’Orchestre national de Lyon]

Nosferatu Soundtrack 
(Musique composée par Christopher Young)
Ttp: 34:34

01. Trailer from Nosferatu (1:18)
02. Act I excerpt (4:55)
03. Act 2 excerpt (4:01)
04. Act 3 excerpt (3:23)
05. Act 4 excerpt (3:51)
06. Act 5 excerpt (3:28)
07. Meet Knock (3:09)
08. Suite from Nosferatu (10:34)

Sylvain Ménard, mai 2024

* A ceux qui s’interrogeraient sur ce qui apparaitrait comme des ‘omissions’, du Dracula de Marco Beltrami, à celui de John Williams, en passant par celui de Wojciech Kilar, ils demeurent des exemples parmi tant d’autres, fort nombreux…, et rappelons que le sujet porte sur Nosferatu.

Liens : https://www.cinemaradio.net/news/christopher-young-signe-the-piper-une-oeuvre-dune-incroyable-richesse-729

Son œuvre resplendit d’accords travaillés qui permettent à ses mouvements de totalement s’inscrire dans un contexte classique et moderne à l’instar de ces compositrices et compositeurs que nous apprécions.
Sans doute que nombre d’entre vous n’ont pas nécessairement de noms qui leur viendraient à l’esprit - citons simplement (et rapidement) Gloria Coates, Elisabetta Brusa, Peter Boyer, Dan Locklair, parmi tant d’autres, celles et ceux cités ici étant de nos contemporains. Et à côté de cette école de composition dite classique, Cliff Eidelman se hisse sans peine à leur niveau, prouvant tout le bien que l’on pensait de lui !
Plus porté vers une dimension que ne renieraient pas les grands classiques - l’apport de la voix superbe de Jessie Shulman y étant sans doute pour beaucoup - Cliff Eidelman s’aventure vers des horizons où le ‘phrasé’ prend toute son importance, où les instruments viennent parfois en soutien et n’occupent plus le devant de la scène (si j’ose dire) créant une dynamique nouvelle et simplement enthousiaste. 

On perçoit toute l’envie du compositeur, toute sa passion et sa fougue, mise ici au service d’une composition magistrale. C’est comme si Cliff Eidelman avait quelque part voulu contrebalancer toutes les atmosphères funestes et délétères engendrées par la pandémie, avant de les purger de tout caractère anxiogène, ne gardant que ce côté enthousiaste et éclatant.

C’est une œuvre lyrique somptueuse et presque onirique par instants ; une œuvre à l’écriture incroyable et aux motifs foisonnants, doublée d’une orchestration et d’une excellente interprétation du Royal Scottish National Orchestra, que dirige le compositeur. 

[Les compositeurs cités sont référencés chez Naxos notamment]

Symphony No. 2 w/Royal Scottish National Orchestra
01. Movement I  
02. Movement II  
03. Movement III  
04. Movement IV  

Sylvain Ménard, mai 2024

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Nous connaissons peu - et c’est bien dommage - le grand auteur persan Omar Khayyām, qui fut tout autant un poète et un savant, et dont les écrits sont d’une facture assez incroyable pour l’époque. S’appuyant sur ses quatrains qui souvent reflètent un certain pessimisme, critiquent la religion et célèbrent la bonne chair et le bon vin, l’album s’empare de ses textes, et nous les rend transformés et embellis par la voix d’Anousha Nazari qui les transpose dans un contexte que les amoureux de beau chant, de phrasés délicats et d’une belle écriture musicale, sauront apprécier. 

Si la beauté des textes pouvait trouver une transposition adéquate que le monde moderne puisse être à même de comprendre, c’est de fait grâce à la musique. Avouons qu’aujourd’hui réussir à passionner des auditeurs ou des spectateurs avec de la poésie, encore plus avec des quatrains, et sous leur forme de strophe en quatre vers, paraît relever de la gageure. ‘Abstrait’, ‘opaque’, tels sont les mots qu’on leur associent généralement, quand on n’emploie pas l’expression ‘destiné aux élites’… Certes l’Art englobe maintes formes, mais la poésie en rebute plus d’un. 
Ici avec cette ‘mise en musique’ et l’adaptation par la mezzo-soprano Anousha Nazari de huit quatrains, c’est tout un monde qui s’ouvre à nous. D’une musique dont on louera l’universalité avec le piano et la clarinette, à cette voix parfaite que la cantatrice nous offre ; de petites miniatures soigneusement conçues, à ces tempi délicats accompagnés de ces phrasés exigeants ; tout concoure à faire de l’écoute de cet album, une expérience rare !
Nous sortons apaisés et convaincus que le bonheur (Épicure n’est pas loin) tient en peu de choses ; en une ambiance ouatée et propice à la contemplation, à l’écoute de morceaux ciselés qu’une voix au timbre splendide sacraliserai presque.

Preuve s’il en était besoin que l’Iran reste un pays d’arts, l’œuvre réunit des compositeurs iraniens contemporains, Aso Kohzadi, Rouzbeh Rafie, Basir Faghih Nasiri, Mehdi Panahi.
A l’occasion de la sortie de ce bel album, un concert exceptionnel réunira le 3 mai salle Cortot, la mezzo-soprano Anousha Nazari, la pianiste Laurianne Corneille et le clarinettiste Amaury Viduvier.

In vino veritas. Hommage à Khayam
Anousha Nazari (mezzo-soprano), Laurianne Corneille (piano), Amin Ebrahimi (clarinette)
Compositeurs : Aso Kohzadi, Rouzbeh Rafie, Basir Faghih Nasiri, Mehdi Panahi
01. Dord-e-Sharab 04:01 (composé par Aso Kohzadi)
02. Mey-e-Nab 05:25 (composé par Aso Kohzadi)
03. Az Aamdanam 03:42 (composé par Basir Faghih Nasiri)
04. Hich 02:50 (composé par Basir Faghih Nasiri)
05. Benshin Paasho 01:36 (composé par Basir Faghih Nasiri)
06. Hast o Nist 03:35 (composé par Basir Faghih Nasiri)
07. Last Night at the Ceramic Artist's Studio 04:43 (composé par Rouzbeh Rafie)
08. Coming & Going 02:25 (composé par Mehdi Panahi)

Une production de Gondishapour, en partenariat avec la Société Nationale des Beaux Arts (1862).
Création & Direction Artistique : Sina Abédi.

  
Sylvain Ménard, avril 2024

Crédit photos, tous droits réservés.

J’ai découvert Cliff Eidelman avec le sixième opus de Star Trek, Terre inconnue (Star Trek VI: The Undiscovered Country)… Quelle claque musicale, mais il faut dire que le scénario échappait au surprenant effet soporifique produit par les trois précédents film, et Cliff Eidelman écrivait un score pour un script plus original et nous offrait ainsi une composition d’une fraicheur et d’une inventivité certaine. Et puis on s’est penché sur lui parce qu’il dirigeait le Royal Scottish National Orchestra pour un album intitulé The Alien Trilogy, reprenant les musiques des trois films réalisés à l’époque (dirigeant les scores de Goldsmith, Horner et Goldenthal). Puis on l’a retrouvé toujours à la direction d’orchestre sur un très beau Roméo & Juliette, et bien évidemment sur des scores qui nous auront marqué. 
Compositeur peu prolixe, il s’est depuis quelques années dirigé avec brio vers le classique nous offrant quelques œuvres de belles factures, écrivant une première symphonie puis une seconde qui devrait sortir cette année (quand, reste toujours la vraie question !).

Évoquer une composition contemporaine - d’une facture classique - écrite par un compositeur de musique de films reste toujours complexe. D’abord parce qu’on a tendance à réduire son art au seul cinéma, ensuite parce qu’on veut y trouver des références, voire des similitudes avec d’autres œuvres. Or la symphonie pour orchestre et deux pianos de Cliff Eidelman échappe à toute tentative de catégorisation. C’est une composition totalement indépendante, qui s’enrichit tout au long de sa structure, superbement orchestrée et mélodiquement très aboutie. 

Les quelques exemples qui me viennent à l’esprit - on peut partir sur trois en fait - ce sont John Williams, Elliot Goldenthal… et Danny Elfman ! Trois compositeurs qui montrent que la composition au sens strict du terme, n’est pas une simple affaire de mode, de genre ou d’affect. Trois compositeurs qui n’ont pas hésité à sortir de leur cadre, déjà au cours de leurs carrières dans des compositions pour le cinéma, ensuite en embrassant des codes et des structures (œuvres pour concerts, opéra, divertimento…) dans une suite donnée à leur carrière plus ouverte sur un schéma classique.
Et si on y réfléchit bien, que l’on écrive pour le cinéma, la scène, l’opéra, des attractions… que l’on écrive pour orchestre, petits ensembles, instruments seuls ou électroniques, quand on ne parle pas de musique expérimentale ; la notion même d’écriture musicale s’adapte.

"On est pas un bon compositeur de musique de films"… C’est une chose qui me frappe de plus en plus. "Non ! On est simplement un bon compositeur". C’est probablement là que se joue d’ailleurs, le véritable enjeu de l’accès à ces musiques, comprendre que la compositrice ou le compositeur, écrit une œuvre, qui automatiquement s’affranchit de son cadre. On l’écoute, on la ré-écoute… on la mémorise, on va à un concert, on l’écoute en direct ; c’est ça en fait qu’induit le fait de composer de la musique. Revenir à la source du plaisir musical pour l'auditeur.
Et les sensations induites par l’écoute de sa symphonie et de son Night in the Gallery, sont la marque d’un excellent compositeur qui fait selon les règles d’harmonies et de constructions, nous comblant en nous offrant ces splendides mouvements !

Une œuvre à découvrir, qui vous confortera dans l’idée que décidément Cliff Eidelman est un homme à suivre… Un de ces compositeurs qui brille dans une profession souvent par trop timorée.

Cliff Eidelman

Symphony For Orchestra And Two Pianos    
01. Movement I  •  7:34
02. Two Piano Cadenza Prelude - Movement II • 9:19
03. Two Piano Cadenza Prelude - Movement III •  11:23
Night In The Gallery    
04. Seduction And Mischief • 4:05
05. The Tempest And The Mysterious Clown • 4:02
06. Islands Of Love • 4:55
07. Liberation And Innocence • 5:17

Sylvain Ménard, mars 2024

Vous avez déjà eu l’occasion de lire quelques articles où l’on faisait l’apologie du vinyle (et le mot n’est pas trop fort) ; et ici encore, force est de constater une qualité de gravure irréprochable ; et qui, pour peu que l’on ait à sa disposition une platine et des enceintes adéquates, saura rendre les sons les plus fins et la richesse de l’orchestration et de l’interprétation. L’opportunité nous est donnée de revenir sur ce bel objet qui nous propose cette création pour le Pacific Symphony Orchestra et son chef Carl St.Clair. Après son Fire Water Paper: A Vietnam Oratorio - en 1995 tout de même (pour une sortie album en 1996) - c’est en 2014 qu’il retrouvait Carl St.Clair pour cette commande faite dans le cadre de l’édition 2014 du American Composers Festival.

Compositeur à succès pour l’orchestre, le cinéma, l’opéra et le ballet ou le théâtre, Elliot Goldenthal que l’on considère comme l’un des compositeurs vivants les plus acclamés, a été contacté par le Pacific Symphony et son directeur musical Carl St.Clair, afin de mettre en forme cette oeuvre d’une vingtaine de minutes.

On pourra trouver ce minutage assez court, mais cette symphonie en deux mouvement, au travers de sa forme et de son traitement impose la vision du compositeur, magnifiée par cette interprétation qui nous la rend d’autant plus forte. Seconde collaboration entre Elliot Goldenthal et le Pacific Symphony Orchestra, il s’agit également de sa seconde oeuvre de concert d’importance après Fire, Water, Paper.

Elliot Goldenthal c’est le cinéma avec entre autres : 1989 : Pet Sematary ; 1992 : Alien 3 ; 1993 : Demolition Man ; 1994 : Cobb ; 1995 : Heat ; 1995 : Batman Forever ; 1996 : Michael Collins ; 1996 : Le Droit de tuer ? ; 1997 : Batman et Robin ; 1998 : Sphère ; 1999 : In Dreams) ; 1999 : Titus ; 2001 : Final Fantasy : The Spirits Within ; 2002 : Frida ; 2003 : S.W.A.T. ; 2007 : Across the Universe ; 2009 : Public Enemies ; 2010 : The Tempest...
Les oeuvres pour théâtre : 1984 : The King Stag ; 1984 : A Gozzi Surprise, ; 1985 : Liberty's Taken ; 1987 : Servant of Two Masters ; 1988 : The Serpent Woman ; 1988 : The Taming of The Shrew ; 1994 : Titus Andronicus ; 1996 : Juan Darién: A Carnival Mass, ; 1999 : The Green Bird, ; 2013 : A Midsummer Night’s Dream...
Les ballets : 1968 : Variations ; 1997 : Othello ; 2005 : Recordare...
L’opéra : 2006 : Grendel...
La musique classique : 1974 : Lemurian Dance ; 1974 : Three Pieces for Piano ; 1974 : Pavane for Solo Piano ; 1976 : Los Heraldos Negros ; 1977 : Requiem Mass ; 1979 : Sonata for Double Bass and Piano ; 1980 : Brass Quintet No. 1, Brass Quintet No. 2 ; 1980 : Jabberwocky : for Bass-Baritone and four Woodwinds ; 1988 : Pastime Variations ; 1990 : Shadow Play Scherzo ; 1996 : Fire Water Paper: A Vietnam Oratorio ; 2013 : String Quartet No. 1 "The Stone Cutters" ; 2013 : Adagietto Doloroso ; 2013 : Othello Symphony ; 2014 : Symphony in G# Minor...

Symphony in G# Minor (2014)
01. Symphony in G-Sharp Minor: I. Moderato con moto 16:58
02. Symphony in G-Sharp Minor: II. Rondo. Agitato 07:46

L’album a été tiré en édition limitée numérotée à la main - 300 exemplaires - sur vinyle 180g.

La symphonie en G # mineure a été créée au Segerstrom Concert Hall, à Costa Mesa en Californie le 8 mai 2014 par le Pacific Symphony Orchestra sous la direction de Carl St.Clair.
L’orchestre comprenait 3 flûtes, 3 hautbois, 2 clarinettes (si bémol), 2 bassons, contrebasson, 4 cors en fa, 3 trompettes (si bémol), 3 trombones, tuba, timbales, percussions, harpe, piano, clavier et cordes.

Sylvain Ménard, mai 2021