On ne sait trop quoi dire d’un tel album… si ce n’est qu’il ne nous a pas laissé indifférents !
C’est comme si une chape constituée d’émotions contrastées nous emportait à son écoute. Charmés que nous fûmes par le CD dédié aux compositions orchestrales d’Elsa Barraine (les symphonies numéros 1 &et 2, Song-Koi, Les Tziganes) ; avec ‘Musique rituelle’, c’est un tout autre univers qui s’offre à nous. 
Interprétées par l’excellente Lucile Dollat - dont nous avions eu l’occasion de parler l’année dernière pour la sortie de son ‘NIGHT WINDOWS’ - ces œuvres pour orgue sont autant une exploration, qu’une invitation à découvrir un monde radicalement différent.

Ainsi certaines œuvres sont-elles particulièrement complexes à évoquer… Et les compositions rassemblées ici, sont tout sauf simples ! Entre l’impressionnante MUSIQUE RITUELLE - d’environ quarante minutes tout de même -, les deux préludes et les deux fugues, les Reflets Magyars ou son Élévation qui conclue l’album ; entre l’émotion qui semble surgir de ces arpèges et de cette sensation de recueillement qui nous étreint ; entre le caractère moderne d’une part et cette façon dont la compositrice s’approprie certains éléments folkloriques hongrois d’autre part, ou va trouver son inspiration dans le livre des morts tibétain ; c’est bien le mot « spirituel » qui nous vient à l’esprit.
Où plutôt, devrions-nous parler de Spiritualité, d’essence et de dimension sonore !
Ce qui en ressort est presque du domaine philosophique ou métaphysique, une réflexion qui s’impose à l’auditeur, une plongée dans un voyage musical, un déplacement de nos sens. Et si nous vous disons que cette expérience semble transcender notre perception de la musique, nous ne vous mentirions pas.  

Enregistré à l’Auditorium de Radio France, l’œuvre est un ‘monument’, une musique de l’âme, pure et inspirante, une de celles qui marquera l’auditeur. 

En résumé : Entièrement dédié à la musique pour orgue d’Elsa Barraine (1910-1999), le disque de Lucile Dollat propose un voyage sonore exceptionnel et d’une grande intensité spirituelle. Il s’ouvre sur l’impressionnante Musique rituelle de 1967, que Barraine considérait comme l’une de ses œuvres les plus importantes. Suivent les deux préludes et fugues des jeunes années, au milieu desquels sont placés les Reflets magyars composés à partir d’une chanson traditionnelle hongroise. Le disque se referme sur une Élévation contemplative et céleste.

Sylvain Ménard, juin 2026

Elsa Barraine : Musique rituelle
Lucile Dollat : orgue ; Florent Jodlent, François Vallet :  Percussions
Label :‎ Tempéraments / Radio France
Ttp : 70:38

Musique rituelle d'après le Bardo Thödol (1-7) (1967)
01.  L'évanouissement I
02.  Les divinités Paisibles II
003.  Les divinités Irritées III
04.  Les Démons IV 
05.  La Fermeture des Portes V
06.  Les Crochets de la Grâce VI
07.  La Délivrance différée VII

08. Premier prélude, Lent (1929)
09. Fugue en sol mineur sur un chant de prière israélite, Lent Reflets magyars (1929)

Reflets magyars (10-15) (1961)
10.  Thème 
11.  2e Reflet magyar
12.  3e Reflet magyar
13.  4e Reflet magyar
14.  5e Reflet magyar

15.  Deuxième prélude (1929)
16. Fugue sur un chant juif, Lent (1929)

17. Elévation (1958)

LUCILE DOLLAT : https://www.cinemaradio.net/news/sortie-chez-temperaments-de-night-windows-une-belle-immersion-dans-le-monde-de-lorgue-avec-la-jeune-et-talentueuse-lucile-dollat-869

Les grandes compositrices modernes…

INA BOYLE : https://www.cinemaradio.net/news/ina-boyle-une-grande-compositrice-irlandaise-qui-failli-disparaitre-et-qui-renait-en-ce-vingt-et-unieme-siecle-etait-une-compositrice-brillante-et-innovante-complexe-et-sensible-1082

ELSA BARRAINE : https://www.cinemaradio.net/news/elsa-barraine-la-musicienne-femme-engagee-et-resistante-une-compositrice-a-decouvrir-1085

Le compositeur italien Andrea GRANT, s’attaque à une œuvre complexe et osée, son ‘grand-œuvre’ ?, avec une composition parfaitement maitrisée et inspirante, n’hésitant pas à sortir de sa zone de confort et à s’attaquer à une écriture qu’on ne peut qualifier que de ‘classique’. 
Avec ‘SIDERA’, il fait appel au Budapest Scoring Orchestra, afin de mélanger les cordes, le piano et les synthétiseurs et ce afin de nous offrir une musique particulièrement mélodique et inventive, ou l’auditeur aura l’impression de plonger dans un univers autant sonore que visuel, baigné dans ces ambiances délicatement éthérées et suggestives.
Si on pense bien sûr à l’impressionnisme (français… et oui !), aux codes qui s’y réfèrent ainsi qu’aux compositeurs qu’on a pu y rattacher - que ce soient Debussy et Ravel, en passant par Dukas, Lili Boulanger, Ottorino Respighi ou Jean Sibelius, parmi d’autres - ; le rapprochement que l’on peut faire réside bien dans ces sensations qui semblent surgir à l’écoute de cette musique… dans ce langage qui paraît nous inviter à imaginer ou voir des choses, et provoque en nous ces réactions !
 
Après plusieurs écoutes (et il faut bien ça), nous nous sommes fait la réflexion que ce compositeur méritait toute notre attention ; et que cet album nous avait offert tout un monde de perception, entre sensibilité et douceur, où la langueur semblait s’établir dans un lent processus, où le mode aurait été en mineur, mais sans évoquer la tristesse. Une certaine mélancolie, nous vous l’accordons, avec comme des pointes de nostalgie ; mais qui rendent cet univers attachant et profond. 

On parlera de notre affect et de nos réactions émotionnelles à l’écoute de ces passages - sachant que nous sommes tous différents, et par la même sensibles (ou non) à certaines mélodies, certains modes, ou tempis… - et ceci a été débattu et documenté par de nombreuses études. Ici, c’est probablement à la première note que le phénomène s’installe, et ensuite lorsque se conclut la phrase, que l’émotion nous étreint. C’est assez logiquement ; même si la logique n’a rien à faire ici, tout étant question de sensibilité ! ; que l’œuvre nous interpelle et déclenche en nous ces émotions.

Après avoir œuvré sur des films et documentaires, parmi lesquels, ‘Tokyo Giant: The legend of Victor Starffin’, ‘Dakota’, ‘Tuscanini: a story of traditions’, ou pour le film ‘The Letter’ inspiré par l’œuvre de Lovecraft ; Andrea GRANT va dans une direction où on ne l’attendait pas, écrivant un opus qui pourrait en désarçonner quelques-uns, mais qui pour peu que vous ayez l’envie de découvrir une très belle œuvre, ne pourra que vous convaincre !

Sylvain Ménard, juin 2026

SIDERA
Composé et orchestré par Andrea GRANT
Label : AGM
(date de sortie : 29 mai 2026)
01. Rain Of Waves 3:05
02. As If By Touch 4:09
03. Rarefied 4:28
04. 76 Reco 2:37
05. I Am Land 4:23
06. Carved In Stone 3:36
07. Black Road 3:53    
08. Sidera 3:09    
09. Of Prairie Winds 4:21    
10. Dawn Of Light 4:49    
11. Who He Was 3:56    
12. Last Reverie 3:38    

Cet album d’œuvres symphoniques confine presque au sublime dans le développement de ses harmonies, dans les recherches et ‘l’expressionnisme’ qui se dégage de son écriture. Sa variation pour orchestre, Song-Koï : Le Fleuve Rouge, nous promènerait dans des arpèges qui au delà des images qu’ils impriment en nous, s’apparenteraient à une composition de musique de film. Or cette œuvre datant de 1945 - une commande de la Radiodiffusion française - est ‘politisée’, puisque nous contant la lutte pour l’indépendance de l'Indochine. Et dans son traitement, au travers du développement de ces passages assez courts (le plus long fait 3mn29) ; ce sont comme des miniatures, des instants parfois fugaces, qui s’imposent à nous. L’argumentation - très colorée - des morceaux, donne ainsi l’impression d’accompagner des images, des scènes… Aussi l’œuvre offre t-elle cette approche, finalement assez cinématographique. 
[Par opposition mais dans un registre similaire - une œuvre dédiée à une cause nous contant un épisode majeur de la lutte d’un pays - Shande DING et sa Long March Symphony (plusieurs interprétations sont recensées chez Marco Polo) est plus monumentale, nous sommes sur presque 70 minutes, et plus classique de forme.]
 
Ce qui retiendra plus probablement l’attention de l’auditeur, ce sont ses deux symphonies aussi brillantes l’une que l’autre. Si la première semble s’inscrire dans un ensemble romantique où surgissent des mouvements modernes et savamment dosés ; d’une profonde originalité et privilégiant les thèmes mélodiques, elle fait preuve d’une réelle maestria dans le développement de ses arpèges, sollicitant les instruments dans des registres qui nous feraient penser à ce que Shostakovich leur demandait. C’est ainsi à une belle ‘débauche’ de thèmes et de mouvements d’une grande inventivité dans l’orchestration, auquel l’auditeur doit s’attendre. 
Composant sa seconde symphonie en 1938, alors que la guerre devient de plus en plus imminente, Elsa Barraine emprunte un autre registre, et on peut percevoir comme un changement de ‘couleur’, la tonalité globale faisant ressortir des impressions plus nostalgiques, sombres et martiales par instant. La semi brièveté de l’œuvre, d’approximativement 17 minutes, ajoute à cette ambiance particulière (plus austère en quelques sorte mais certainement pas morose), et ce sera le mouvement final - intitulé « la fin du cauchemar » - qui nous délivrera en prenant des allures plus légères et enjouées.

Avec son atmosphère joyeuse et rythmée, l’œuvre courte Les Tziganes, conclut l’album avec délicatesse et enthousiasme.

Le mot de l'éditeur : L’Orchestre national de France, dirigé par Cristian Macelaru, consacre un album à la compositrice Elsa Barraine, figure majeure de la musique française du XXème siècle. Élève de Paul Dukas et lauréate du Prix de Rome à 19 ans, Elsa Barraine a mené une carrière à la fois artistique et publique, marquée par son engagement dans la Résistance. Ce nouvel enregistrement réunit quatre de ses oeuvres orchestrales, les Symphonies n°1 et n°2, Song-Koï (Le Fleuve rouge) et Les Tziganes, qui témoignent de son écriture maîtrisée, de son expressivité et de sa profonde sensibilité aux bouleversements de son temps.

Sylvain Ménard, juin 2026

Elsa Barraine: Symphonies Nos. 1 & 2, Song-Koi, Les Tziganes
L'Orchestre national de France, dirigé par Cristian Macelaru
Label :‎ Warner Classics
Ttp : 66:31

Song-Koï : Le Fleuve Rouge (1945)
Variations pour orchestre
01. La source 0:58
02. La haute plaine 0:44
03.  Les chemins célestes 2:32
04. La ville de Son-Phong 3:29
05. Le retour des pavillons noirs 1:58
06. La rivière Noire 1:45
07. Le fleuve Rouge reçoit la rivière Noire 3:01
08. L'arrivée à la mer et la mort 1:38

Symphony n° 1 (1931)
09. Andante - Vivace 9:11
10. Adagio - Vivace 10:34
11. Finale : Adagio - Allegro giocoso e leggiero 8:29

Symphony n° 2 "Voïna (1938)
12. Adagio - Allegro moderato 7:21
13. Marche funèbre : Lento 5:17
14. Finale : Allegretto 4:54

15. Les Tziganes (1959) 4:36

Les grandes compositrices modernes…

INA BOYLE : https://www.cinemaradio.net/news/ina-boyle-une-grande-compositrice-irlandaise-qui-failli-disparaitre-et-qui-renait-en-ce-vingt-et-unieme-siecle-etait-une-compositrice-brillante-et-innovante-complexe-et-sensible-1082

La rencontre avec Ina Boyle, une compositrice irlandaise du XXème siècle, s’est faite - comme souvent c’est le cas - par pur hasard. J’avais écouté sur youTube un enregistrement d’une de ses œuvres en mars 2025. Enchanté par cette écoute, mais pris par d’autres écoutes, des chroniques musicales, interviews et autres, le temps manquait… Mais ce début d’année a pris une tournure plus ‘irlandaise’ et après quelques tâtonnements, j’ai réussi à me constituer une banque sonore, à trouver des albums sur les sites référencés. Si sa ‘couverture’ reste encore assez limitée (assez timide…), les albums disponibles embrassent déjà presque tous les pans de son talent, entre concertos, symphonies, psaumes, musique de chambre, ou chansons.
Parmi les albums disponibles, on trouve celui dédié à ses œuvres orchestrales (voir à la fin de l’article) sous la direction de Ronald Corp. On trouve aussi chez Toccata Next, un récital de violoncelle et d’accordéon, Cello Accordion Ireland avec arrangements de Adrian Mantu et Dermot Dunne ; chez Rubicon, une exploration du genre de la ‘Fantaisie Britannique’, Piatti Quartet: Phantasy, avec des œuvres de Vaughan William, Boyle, Howells, Arnold, Holmès et Tippett, interprété par le quatuor Piatti ; toujours chez Rubicon, des quatuors signés Ralph Vaughan Williams, Ina Boyle, John Ireland et Ernest John Moeran ; l’album A Shropshire Dad: English Songs Orchestrated by Roderick Williams, édité par Hallé concerts Society, propose des œuvres de Ireland, Boyle, Browne, Butterworth, Gipps, Vaughan Williams, Dring, Burton, Clarke et Farrar ; et chez Deutsche Grammophon, Irish Roots interprété par le violoniste Daniel Hope, une immersion dans la culture populaire irlandaise, un voyage musical qui ocille entre musique traditionnelle et classique.

Elle a écrit un opéra (sur la fin de sa vie), 'Maudlin of Paplewick' ; de la musique chorale ; de la musique pour orchestre, trois symphonies, des fantaisies, un concerto, ou encore une rhapsodie. Cette partie-ci - les œuvres pour orchestre - est particulièrement intéressante, que l’on parle de ses symphonies ou de ses compositions courtes comme son ‘The Wild Geese’ ou ‘A Sea Poem’. Son ‘Elegy for Solo Cello and Orchestra’ ou son ‘Violin Concerto’ (« To the Memory of my Mother ») sont deux œuvres fines et sensibles, où la mélodie donne à l’auditeur comme l’impression d’être égaré, de se promener dans un environnement non pas sombre, mais somme toute mélancolique.
Nous pourrions nous attarder également sur son ‘Orchestral Rhapsody’, d’une dizaine de minutes, qui n’est pas sans rappeler le caractère romantique et évocateur d’un Arnold Bax, son contemporain, et notamment celui de ses poèmes symphoniques. Ici on perçoit la qualité de son écriture et cette forme de néoromantisme qui l’habite, tout comme Hamilton Harty ou John Ireland.
On lui doit également quatre œuvres pour voix et orchestre, alto et orchestre à cordes, contralto et orchestre, et une pour alto et orchestre à cordes. Son intérêt pour la composition s’est également manifesté au travers de l’écriture pour petit ensemble (ou musique de chambre), ce qui a donné son Quatuor à cordes en mi mineur en 3 mouvements. On trouve dans son répertoire un certain nombre de chansons, pour voix et piano, ou quatuor, violon, violoncelle ou harpe.
Elle a également composé trois Ballets, Virgilian Suite, The Dance of Death et The Vision of Er.

Ina Boyle qui était née le 8 mars 1889, est décédée le 10 mars 1967 ;  elle fut une compositrice prolixe, étudiant la composition de 1923 à 1939 avec Ralph Vaughan Williams, avant que le début de la seconde guerre n’y mit fin. Rentrant alors chez elle, dans le comté de Wicklow, elle continuera à écrire, mais sans connaître de réelle reconnaissance. On a parlé d’isolement, souffrant d’être éloignée des grands centres musicaux, mais finalement n’était-ce pas in finé son choix que d’aller vivre dans le comté de Wicklow, situé au sud de Dublin, surtout après avoir tenté sans succès d’intéresser chefs d’orchestres et compositeurs… Ses chansons que l’auditeur trouvera sur l’album Ina Boyle: Songs (Delphian Records) ; sont tout autant le reflet de sa vie dans cet endroit réputé magnifique et protégé, que celui de ses choix de vie.
Ce ne sera qu’après presque 50 ans d’oubli que sa musique commencera à être rejouée, et que des enregistrements seront faits. On parle d’elle comme de la plus importante compositrice de la première moitié du vingtième. La plupart de ses manuscrits sont conservés à Dublin, à la bibliothèque de la prestigieuse université du Trinity College. 
Qu’il est compliqué d’être une femme et encore plus une compositrice en ce XXème siècle !

Même si l’on ne peut que déplorer le fait qu’elle n’ai pas connu de réelle reconnaissance du temps de son vivant, il est par contre fort agréable qu’elle soit reconnue aujourd’hui comme une des compositrices majeures irlandaises du siècle précédent. Plus fréquemment jouée depuis le début des années deux mille, elle semble être devenue une inspiration pour de nombreux artistes. Ajoutons que les enregistrements commençant à voir le jour, sa notoriété ne peut qu’en sortir grandie.

Sylvain Ménard, mai 2026

Violin Concerto/Psalm for cello and orchestra/Symphony No. 1/Overture/Wild Geese 
Dutton Epoch ‎– CDLX 7352 (2018)
[SACD Hybrid Multi-channel] 

Tracklist

Overture For Orchestra (1934)
01. Allegro Vivace - 8:01

Concerto For Violin And Orchestra (1922-33 Rev. 1935)
Violin, Solois: Benjamin Baker
02. i Lento Ma Non Troppo – Poco Pìu Lento – Tempo Primo –     7:22
03. II Adagio – Animato E Crescendo –     3:50
04. III Allegro Ma Non Troppo – A Tempo, Tranquillo – Tempo Primo – Teneramente E Tranquillo – Tempo Primo     5:27

Symphony No. 1 "Glencree" (In The Wicklow Hills) (1927-27)     
05. I On Lacken Hill (Molto Moderato – Pìu Lento, Tranquillo)     7:49
06. II Nightwinds In The Valley (Allegro Molto – Tranquillo)     3:28
07. III Above Lough Bray (Adagio – Poco Pìu Con Moto, Ma Sempre Molto Moderato)     10:12

Wildgeese: Sketch For Small Orchestra (1942)
08. Lento Misterioso - 3:47

Psalm For Cello And Orchestra (1927 Rev. 1928).
Cello: Nadège Rochat
09. Lento – Poco Allegro, Inquieto – Lento – Andante, Tranquillo – Animato – Adagio - 9:17

A Sea Poem: Theme, Variations And Finale For Orchestra (1919)     
10. Introduction (Lento, Molto Sostenuto) – 1:36
11. Theme (Lento E Sostenuto) – 1:41
12. Variation I (Pìu Animato) –     1:20
13. Variation II (Pìu Vivace, Scherzando) – 1:07
14. Variation III (Pìu Largamente) – 2:10
15. Variation IV (Adagio, Molto Tranquillo) – 2:12
16. Variation V (Allegro Molto) – 0:47
17. Variation VI (Pìu Mosso – Adagio) – 1:55
18. Finale (Lento, Quasi Tempo Primo, Tranquillo) - 3:02

SACD Bonus Track
Colin Clout (A Pastoral After Spenser's The Shepheard's Calender) (1921)     
19. Molto Adagio – Poco Pìu Mosso – Molto Tranquillo - 8:50

Que l’on soit ‘touché’ par la dimension sonore - et il ne fait nul doute que l’écoute en direct ne peut qu’être incomparable, alors que le gravage du CD aura quelque peu ’étouffé’ l’ensemble - ou émus par la beauté formelle des phrases qu’Hélène Diot joue, cette sortie d’un enregistrement sur un tel instrument est déjà en soi un petit miracle !
Et dès les premières notes, il nous semble être transportés, baignés dans une lumière d’un autre temps, loin, très loin, en arrière, alors que se déroulent sous nos yeux des mises en scènes fastueuses ou étonnantes. Sans doute est-ce là une forme de magie, celle d’un instrument qui revit, par la grâce de son interprète, et qui ravit l’auditeur, parce qu’il est impossible de dissocier l’aventure vécue, de l’écoute qui nous est offerte avec ce très bel album. 

Outre la splendeur de l’instrument en lui même, minutieusement sculpté, doré, recouvert de motifs d’une extrême finesse, une véritable œuvre d’Art ; ce clavecin dispose tout simplement d’une « voix » somptueuse, ayant profité de conditions de conservation qui lui ont permis de rester proche de son état d’origine. Le Ruckers* 1612, un instrument d’une facture délicate, s’invite grâce à son interprète et au label Paraty chez nous. 
Ce projet d’album a été mené par Hélène Diot, la claveciniste initiatrice de ce projet, en collaboration avec le Musée de Picardie.

Ce trésor de l’Art baroque et de la musique profane, entre ainsi dans le répertoire classique et s’avère être une initiative aussi étonnante que courageuse ; qui prouvera à ceux qui craignent que l’intelligence artificielle ne nuise au métier de compositeur ou ne remplace les musiciens ou les orchestres (une chose que les logiciels de création musicale - déjà avec des algorithmes - n’ont clairement pas réussit à faire) ; que le temps n’est pas encore venu de remiser la création humaine au placard. 

Avouons qu’il est ‘suprêmement’ intéressant d’assister à cette renaissance, celle d’un instrument vieux et désuet (tout du moins aux yeux du grand public) qui s’offre à nouveau à nous ; et finalement nous rassure par le biais de cette démarche, non pas seulement conservatrice, mais également créatrice. En assurant la survie des instruments - par opposition avec la faculté que nous avons, et ce depuis des décennies, de reproduire des sons spécifiques - c’est l’occasion qui est donnée aux compositeurs modernes de perpétuer des traditions et des usages, comme avec les ondes Martenot, le thérémine, le synthétiseur Moog, et tant d’autres…

Ainsi en établissant une passerelle entre l’Art de la restauration et l’Art au sens le plus noble, celui de la création ; ce projet donne de l’espoir à ceux qui croient en l’humain, à ceux qui souhaitent voir perdurer les multiples talents qui ont été nécessaires afin de le mener à terme ; et in finé à tous ces amateurs (éclairés ou non), à ces amoureux de belle musique, qui n’ont qu’un seul désir, jouir de ces expressions sonores, de ces compositions et ces œuvres musicales de quelque nature qu’elles soient.

* Ioannes Ruckers, facteur de clavecin flamand (1578-1642)

Le mot du label : Pour son premier album, la claveciniste Hélène Diot nous embarque dans un voyage immobile entre Amsterdam et Londres, où Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621), William Byrd (c.1540-1623) et Orlando Gibbons (1583-1625) dialoguent à travers toccatas, fantaisies et variations. Héritier des polyphonistes et mentor d’une génération d’organistes, Sweelinck – figure clé de la transition Renaissance-Baroque – y révèle un art raffiné et visionnaire, synthèse des styles anglais et italiens, qui inspirera jusqu’à Bach lui-même.

Sylvain Ménard, avril 2026

“Ruckers 1612, Le Voyage immobile”
Clavecin Ruckers du musée d’Amiens
Interprète : Hélène Diot

Ttp: 62:25

Jan Pieterszoon Sweelinck
01. Toccata Noni Toni, SwWV 296 5:37
02. Pavana Lachrimae, SwWV 328 4:38
03. Ut re mi fa sol la, a 4 voci, SwWV 263 8:53
04. Engelse Fortuyn, SwWV 320 3:14
05. Mein Junges Leben hat ein End, SwWV 324 6/21

William Byrd
06. Pavana Lachrymae (Arr. For Harpsichord by William Byrd), FVB 121 5:55

Jan Pieterszoon Sweelinck
07. Echo Fantasia, SwWV 261 3:54

William Byrd
08. Pavana-Galliarda, FVB 165-166 3:34
09. Fortune, FVB 65 4:07

Orlando Gibbons
10     Fantazia of Foure Parts (From Parthenia) 5:46

Jan Pieterszoon Sweelinck
11     Die flichtig Nimphae, SwWV 331 2:07
12     Fantasia Cromatica, SwWV 258 8:13

Tous droits photographiques, © Paraty & Hélène Diot, Musée de Picardie

Instruite dans les arts et la musique, Hortense développera un goût certain pour l’écriture et la mélodie, certaine de ses œuvres ayant marqué son temps. Mais c’est au travers de ses romances - plus de 150 opus - qu’elle se fera connaître.

Ce bel album propose à l’auditeur de découvrir dix huit œuvres crées au 18ème et 19ème siècle, certaines de compositeurs très connus tels Louis Adam ou Franz Schubert, et bien évidemment d’Hortense de Beauharnais qui est particulièrement bien représentée avec cinq ‘romances’ ! 
Délicatement porté par les voix et des instruments dont la substance semble se diluer au grès de ces interprétations, l’ensemble donne à écouter des morceaux subtils où la poésie et la douceur, avec parfois comme une sensation d’intimité partagée, sans oublier d’ajouter l’excellence et la finesse de l’interprétation, deviennent les maîtres mots de ces instants qui raviront les mélomanes. C’est au travers de leur brièveté et leur délicatesse, que ces miniatures nous touchent, réussissant à jeter un pont par delà les décennies, voire les siècles ; les passage écrits par Hortense de Beauharnais reflétant pour leur part une certaine nostalgie, parfois teinté de tendresse. 
On notera la présence sur ce ‘catalogue’ d’une autre compositrice, Hélène de Montgeroult, une personnalité rare et qui aura très tôt mis en avant la légitimité des femmes et leur droit à composer et à se trouver à l’avant-garde de l’expression musicale. On la considère comme l’une des premières romantiques, si ce n’est la première.

Qui sait alors si cette écoute ne donnera pas envie d’approfondir cette rencontre avec des personnalités incomparables mais peu connues de notre histoire musicale !

L’album ’Hortense, compositrice et son temps’ est disponible en streaming, et est en vente, dans sa version physique, en boutiques et sur sites.

Sylvain Ménard, août 2025

Hortense, compositrice et son temps
Hortense de Beauharnais (1783 – 1837)
1. Romance “Peu connue point troublée” CLH, EOG*, FRO – 4’16
Guillaume-Pierre-Antoine Gatayes (1774-1846)
2. L'amant délaissé, CLH, FRO – 3’45
Louis Adam (1758 – 1848)
3. Romance andantino grazioso (Sonate pour le pianoforte seul op. 7), EOG* – 4’08
Giovanni Paisiello (1740 – 1816)
4. Nel cor piu non mi sento (tiré de l’Opéra La Molinara), CLH, EOG*, FRO – 3’48
Ferdinando Paer (1771-1839)
5. La placida campagna (Polonaise Favorite, chantée par Madame Catalani en 1818) DTH, LGR** – 5’25
George Onslow (1784-1853)
6. Pièce II. Andantino quasi Allegretto, LGR** 2’06
Hélène de Montgeroult (1764 – 1836)
7. 4eme Étude de main gauche, LGR** 1’04
George Onslow (1784-1853)
8. Pièce IV. Allegretto molto espressivo, LGR** 1’51
Vincenzo Bellini (1801-1835)
9. Ma rendi pur contento No. 6 - Sei Ariette, DTH, LGR** – 2’43
George Onslow (1784-1853)
10.Pièce III. Allegretto con molto, LGR** 1’42
Hortense de Beauharnais (1783 – 1837)
11. Romance : La Complainte d’Héloïse au Paraclet, CDU, AZY – 2'30
12. Romance : Quelle est cette femme éplorée, CDU, AZY – 3’45
Jan Ladislav Dussek (1760 – 1812)
13. Duo concertant pour Harpe et Piano op.73 (Larghetto) , MNA, SBA* – 6’44
Johann Franz Xavier Sterkel (1750-1817)
Douze romances ou chansons anacréontiques dont six imitées de Pétrarque avec accompagnement de pianoforte ou harpe, flûte ou violon. Poésie de Mr Le Méteyer
14. L’illusion de l’amour (les oiseaux), CDU, AZY*, AKO, 2’30
15. Plainte nocturne, CDU, AZY*, AKO, 1’4
Franz Schubert (1797 – 1828)
16. Variations sur un thème français en mi mineur D. 624 [sur la romance « Le bon chevalier » d’Hortense de Beauharnais, 1818/22], LMO, ETO** – 15’03
Hortense de Beauharnais (1783 – 1837)
17. Romance « La Mélancolie », Les Lunaisiens - 3’15
18. Romance « Le beau Dunois, En partant pour la Syrie », Les Lunaisiens- 3’27

Au risque d’user d’une sorte d’expression barbare, avec cet album nous sommes carrément plongés de plain-pieds dans la musique traditionnelle, nous frottant à des morceaux parfois courts et n’excédant que rarement plus de deux minutes, trois d’entre eux faisant plus de quatre minutes, et un seul dépassant les cinq minutes ; c’est vous dire si cette présentation prend la forme la plus évidente qui soit, celles de ballades, de petites miniatures. 
Portés par les accents souvent joyeux et vigoureux des instruments, les musiciens suédois (comme il se doit) interprètent les vingt-deux morceaux de l’album, l’occasion pour nous de découvrir, Daniel Pettersson au nyckelharpa, la chanteuse Kersti Stâbi, Maria Jonsson au violon et au quinton d’amour (de la famille des violes), ainsi qu’Olof Misgeld à l’alto.

Quand nous parlons de découvrir, il est évident que s’immerger dans une œuvre de ce type est peu évident, et ce pour plusieurs raisons. La principale est probablement que le monde actuel porte moins d’intérêt aux musiques vivantes, issues du folklore ou de la tradition, car relevant de niches et par là même (vous savez ces fameuses ‘niches’ que nous évoquons régulièrement) destinées à un public averti. 
On parle également de pièces qui touchent un public réduit, classiques de forme et très traditionnelles, devenant de ce fait peu rentables en vue d’une ‘diffusion live’, ce qui explique qu’elles soient peu jouées. Ce raisonnement tient (tristement) avec la musique contemporaine, pourtant bien présente ne fut-ce qu’en terme d’œuvres produites et diffusées, mais moins reprises sur des programmes et des saisons culturelles et musicales.

Quoiqu’il en soit, ne boudez pas votre plaisir, ‘La Nyckelharpa’ est un joli album, pas facile d’accès sans doute, mais éminemment plaisant et inspirant.

Sylvain Ménard, avril 2025

 
Parution : 14.03.2025
Editeurs : Outhere / Ocora
Thèmes : Musique traditionnelle
Distributeur : Outhere
ISBN : 3415820001019
Référence : C561177
1 CD. Durée 63’24 (Parution initiale C560177, mai 2003)

Fabriqué avec du bois de Paulownia (également nommé Arbre impérial), le Geomungo fait partie de la famille des cithares, et est constitué d’une ‘caisse de résonance’ qui permet à l’instrumentiste de jouer et d’insuffler des émotions dans son interprétation, qui bien souvent donnent une impression de lenteur et de langueur, symptomatique des œuvres écrites spécifiquement pour cet instrument.
Pour celui qui n’est pas coutumier de la musique asiatique, nul doute qu’il se perdra quelque peu dans un univers sonore qu’il ne connait qu’au travers de films ou documentaires. Pour celui qui connait cette musique asiatique et à l’habitude d’écouter des symphonies, des concertos et diverses œuvres, de factures relativement modernes et s’inscrivant dans le XXème siècle*, il reconnaitra les sonorités incomparables des cordes pincées d'origine très ancienne et dérivé du fameux Guqin chinois, appelé ‘l'instrument des sages’.
On ne peut qu’être frappé par la gestuelle qui entoure ces musiques, la douceur ou la brièveté dans l’expression d’un mouvement du corps ; plus que des ‘gestes’, des ‘placements’ qui contribuent à définir une sorte d’esthétique en même temps fluide, et minimaliste. Et minimaliste, cette musique l’est par définition, empreinte d’une forme de mélancolie (à nos oreilles européennes tout du moins), solennelle et basée sur des motifs lents, répétitifs et envoutants. C’est là toute la superbe de ces sonorités, de ces constructions rythmiques qui renvoient à une spiritualité puissante où le motif est souvent grave, procurant cette sensation de sérénité, telle une transe méditative qui ouvre les portes sur une dimension philosophique.

C’est Lee Jae-hwa qui joue ici de cet instrument dont on loue les qualités sonores mais également la façon d’en jouer, la pureté des gestes et leur délicatesse. La percussion Janggu est quant à elle jouée par l’éminent interprète Jung Hwa-young.

L’album est composé de deux suites, la Geomungo Hoesang originaire du sud de la Corée, et la Geomungo Sanjo issue du nord de la péninsule, chacune requérant des techniques et des rythmes différents, ainsi qu’un ’touché’ où la main et le plectre (la baguette - ou lamelle - dont on se sert pour faire vibrer les cordes) produit des sons, bruissements et grattements différents.

* Nous ne pouvons que vous renvoyer vers les labels Naxos ou Marco Polo, qui ont édité un conséquent catalogue d’œuvres de provenances diverses mais surtout de compositeurs issus de Chine, Japon, Corée… Leur collection ‘Japanese Classics’ est une remarquable initiative proposant tout un panel de compositeurs allant de très connus à d’autres moins. Pour sa part la collection ‘Chinese Classics’ (moins fournie) est digne d’intérêt, mais il vous faudra ‘naviguer’ sur le web un peu plus. Des œuvres sont disponibles sur le site de La Boîte à Musique, d’autres sur PrestoMusic… 

Sylvain Ménard, mars 2025

Corée, Cithare geomungo, traditions de la péninsule
Cithare Geomungo : Lee Jae-hwa
Percussion Janggu : Jung Hwa-young

Geomungo Hoesang
01. Sangnyeongsan
02. Jungnyeongsan
03. Seryeongsan
04. Garakdeori
05. Samhyeon Dodeuri
06. Hahyeon Dodeuri
07. Yeombul Dodeuri
08. Taryeong
09. Gunak

Geomungo Sanjo
10. Jinyangjo
11. Jungmori
12. Jajinmori 

Lien Japanese Classics : https://www.naxos.com/EditionSeries/Detail/?title=Japanese_Classics
Lien Chinese Classics : https://www.naxos.com/EditionSeries/Detail/?title=Chinese_Classics
Lien recherche ‘japanese’ : https://www.naxos.com/Search/KeywordSearchResults/?q=japanese
Lien recherche ‘chinese’ : https://www.naxos.com/Search/KeywordSearchResults/?q=chinese
Lien Marco Polo : https://www.naxosdirect.co.uk/labels/marco-polo-5833
Lien La Boîte à Musique : https://laboiteamusique.eu/fr/brand/marco-polo/?srsltid=AfmBOopcLQou5hBYUSInggLcVY1bpd4TQX3IZ4T7pL9Pio5DTwxQ42z-
Lien PrestoMusic : https://www.prestomusic.com/classical/search?search_query=japanese

Pour nombre de mélomanes, ce qui est symptomatique d’une composition (ou d’une transcription) pour orgue, est bien ce caractère souvent évanescent, cette sensation de profondeur et d’écho qui nous est offerte lorsque nous l’écoutons. Le cinéma s’en est souvent servi pour donner de la profondeur (justement) en suscitant de l’effroi ou de la tension. 
Instrument particulièrement exigeant, l’orgue est complexe et nécessite une maitrise sans faille. Nous ne nous engagerons pas sur ce sentier-là, mais avouons qu’écouter Lucile Dollat interpréter l’œuvre de Fabien Waksman, ou ses propres ‘improvisations’ qui sont d’ailleurs bien loin de n’être que ça ; c’est toucher du doigt à quelque chose de particulier, de fort.
Car entre des tonalités puissantes qui renvoient à des perceptions étouffantes parfois ; ou bien plus mystérieuses - quand elles ne sont pas perçues comme des impressions sonores fugaces - elles suscitent en nous des émotions contradictoires, s’avérant tout autant mélodiques que dissonantes ; et résolument ‘organiques’.
L’auditeur pourra ainsi avoir à certains moments l’impression que l’orgue joue avec les sensations en produisant des sons qui naviguent d’un bord à l’autre d’une structure mélodique, engendrant des phénomènes de réverbération comme s’ils se jouaient de l’acoustique de la salle.

Si l’Alborada del gracioso de Ravel peut surprendre celui qui n’avait jamais entendu cette œuvre dans sa version transcrite pour orgue, ; ces notes trépidantes et répétitives, cette forme si particulière, loin de l’interprétation au piano, et encore plus loin de celle pour orchestre, flamboyante et complexe ; elle offre une mise en perspective et une relecture originale profonde et différemment colorée.
L’auditeur sera peut être probablement plus à l'aise avec les compositions de Thomas Lacôte et Fabien Waksman, des œuvres plus modernes ou contemporaines pour orgue, et qui permettent avec la complexité et la profondeur des sonorités de l’instrument de développer des accords qui invitent à l’introspection, à la découverte.
Alain Jehan pour sa part a écrit ses œuvres vers la fin des années trente, des œuvres qui oscillent parfois entre réflexion philosophique ou religieuse - d’où le titre de ‘Litanies’ -, ou dans un cadre plus contemplatif comme nous l’offre son ‘Aria’. 
Quant aux ’Songes’ écrits et interprétés par Lucile Dollat, ils sont d’une facture délicate et particulièrement agréables à écouter. On y perçoit certaines aspirations, l’envie d’illustrer des instants brefs et poétiques… des images et des sensations. De jolies compositions qui s’inscrivent dans un cadre résolument mélodique.

Un album pour un instrument que chacun a au moins une fois entendu jouer, mais qu’on trouve plus rarement honoré que d’autres… Une belle initiative qui en sus nous permet de découvrir une jeune musicienne de grand talent ! 

À seulement vingt huit ans, Lucile Dollat, se produit en Europe et est titulaire de l’orgue Cavaillé-Coll* de l’église Notre-Dame de la Gare à Paris, ainsi que de l’orgue de l’église Notre-Dame des Vertus à Aubervilliers. Elle est également organiste en résidence à Radio France, sur l’orgue de l’Auditorium de la Maison de la Radio et de la Musique.

* du nom de l’artisan d’Art qui l’a construit, Aristide Cavaillé-Coll, qui était, ce qu’on nomme, un facteur d’orgue.

Note : 'Night Windows', le titre de l'oeuvre de Fabien Waksman, sert de thème général au récital de Lucile Dollat, déployant les multiples possibilités sonores du grand orgue Grenzing de l'Auditorium de la Maison de la Radio et de la Musique. Cette « fenêtre ouverte sur la nuit » nous invite à un itinéraire imprévisible, à l'écoute de sonorités mystérieuses, impalpables ou tonitruantes, suscitant des évocations fugitives et poétiques, des fulgurances improvisées, et conférant une parure sonore renouvelée à quelques pièces du répertoire. 

Sylvain Ménard, février 2025

Night Windows
Lucile Dollat (Orgue)
François Vallet (Percussions)
Label : Tempéraments
Ttp : 72’53

Maurice Ravel
01. Alborada del gracioso (transcription Lionel Rogg) 7:48

Lucile Dollat
02. Songe 1. 3:53

Thomas Lacôte
03. La nuit sera calme 15:15

Lucile Dollat
04. Songe 2. 6:32

Fabien Waksman
Night Windows (Three paintings for organ after Richard Pousette-Dart)
05. Hieroglyph, Black 10:05
06. Genesis, Red 03 5:03
07. Radiance, Blue 6:48

Lucile Dollat
08. Songe 3. 5:21

Jehan Alain
09. Aria 7:19
10. Litanies 4:43

L’un des plus prestigieux évènements du monde de la musique, les Grammy Awards, est comme chaque année l’occasion de découvrir des œuvres incroyables et de les récompenser. Au delà des genres et des métiers qui font la musique, c’est bien la reconnaissance de la qualité et de la créativité ainsi que les moyens mis en œuvres, ceci incluant l’enregistrement, les arrangements, la production, et jusqu’au packaging et aux éditions spéciales ; qui sont mis à l’honneur.

La cérémonie de cette session 2025, la 67ème, se déroulera à la Crypto.com Arena (anciennement le Staples Center) ; et ce sont pas moins de quatre-vingt dix récompenses qui seront remises aux heureux gagnants.
A ceux qui se poseraient la question, soulignons que l’académie a déjà tranché en 2023, rappelant qu’en réponse au (trop) rapide développement des domaines où intervient l’intelligence artificielle, « seuls les créateurs humains peuvent prétendre à être reconnus, nominés, et à pouvoir gagner un Grammy Award ». 

Souvenons-nous (l’article est ici) de Stephen Barton et Gordy Haab qui ont obtenu le Grammy Award de la meilleure bande originale pour un jeux vidéo et autres médias interactifs avec Star Wars Jedi: Survivor !

Nous souhaitons le meilleur à ce grand compositeur qu’est Cliff Eidelman, et reviendrons en temps voulu sur cette actualité.

Sylvain Ménard, octobre 2024

Liens : 
Symphonie n°1 : https://www.cinemaradio.net/news/cliff-eidelman-symphony-for-orchestra-and-two-pianos-night-in-the-gallery-701
Symphonie n°2 : https://www.cinemaradio.net/news/sortie-de-la-symphony-n2-de-cliff-eidelman-un-pur-joyau-dune-poesie-et-dun-lyrisme-incroyable-735
Star Wars Jedi: Survivor : https://www.cinemaradio.net/news/vinyle-sortie-chez-waxwork-records-de-star-wars-jedi-survivor-le-score-de-stephen-barton-et-gordy-haab-725

C’est la cheffe d’orchestre JoAnn Falletta qui dirige l’œuvre avec le philharmonique du Royal Liverpool. Les mélomanes la connaissent bien pour sa discographie qui laisse la part belle aux classiques modernes, impressionnistes et modernes. On lui doit un très joli album édité par Naxos, sur les œuvres de Florent Schmitt (La Tragédie de Salomé, Symphonic Poem, Op. 50, Musique sur l'eau, Op. 33, Oriane et le Prince d'Amour Suite, Op. 83bis, Légende, Op. 66), pour l’occasion la cheffe dirigeait le Buffalo Philharmonic Orchestra.

A l’instar de certain de ses confrères - on pense notamment à Cliff Eidelman - Danny Elfman semble avoir ‘profité’ de la pandémie pour parfaire et finaliser certaines de ses compositions et ainsi en va t-il du superbe ‘Cabinet des Curiosités’ (Wunderkammer dans le titre original) qui de poétique ou intriguant, évoluera vers l’étonnant ou le mystérieux, quand il ne tentera pas tout simplement de susciter l’effroi.
Nous ne manquerons pas de souligner cette volonté qu’il a de rester évocateur et d’expérimenter, jouant des impressions et de la sophistication dont il a toujours fait preuve (un simple rappel d’œuvres comme Sleepy Hollow ou L'Étrange Noël de monsieur Jack, suffiront à vous le prouver), une démarche similaire à celle des maitres de l’impressionisme, et qui s’accorde à la perfection avec l’univers mélancolique et fécond du compositeur.

Mais ce CD nous offre également une œuvre moins représentée au sein du monde classique, un ‘Concerto pour Percussion’, auquel le percussionniste écossais Colin Currie apporte une expertise plus que bienvenue.  
Nous avons par le passé avoué notre incapacité à exprimer nos sentiments à l’écoute de certaines œuvres ; force, puissance et éloquence, sont des mots qui reviennent fréquemment, mais qui manquent sûrement de précision. Ici le travail du musicien appuiera une composition plus aérienne et enjouée, très contemporaine avec ses glissandos, et la mélancolie (une fois encore) qui sourde subtilement des passages, et l’on prêtera attention au ‘toucher’ délicat de cet artiste des percussions.

Et enfin le titre ‘Are You Lost?’, qui est un joli mouvement presque joyeux (ce qui est somme toute ‘assez’ rare chez Danny Elfman), une œuvre pour chœurs et orchestre.  

Avec les œuvres ‘classiques’ de Danny Elfman, l’auditeur a toujours l’impression de baigner dans une sorte d’intemporalité, dans des mouvements qui - non contents de savoir nous replonger par moment dans ces arpèges flamboyants et ces orchestrations si reconnaissables - nous immergent dans un univers constamment en évolution et qui consacre la belle écriture d’un compositeur en permanente effervescence. 

Sylvain Ménard, juillet 2024

Percussion Concerto & Wunderkammer
Composé par Danny Elfman
Label : Sony Classical (mai 2024)
Ttp: 1:02:02

01. Wunderkammer: I (9:29)
02. Wunderkammer: II (6:56)
03. Wunderkammer: III (7:38)
04. Percussion Concerto: I. Triangle (6:26)
05. Percussion Concerto: II. D.S.C.H. (7:11)
06. Percussion Concerto: III. Down (9:44)
07. Percussion Concerto: IV. Syncopate (7:02)
08. Are You Lost? (7:40)

Nous avons eu récemment le plaisir de parler du nouvel album de Anousha Nazari, ‘In vino veritas. Hommage à Khayam’, une œuvre vibrante et superbe que la mezzo-soprano a sorti en mai 2024. C’est au cours d’une discussion avec elle, qu’a été évoqué son ‘Sounds of Ancestors’, une œuvre datant de 2021, et portée par son amour pour la Perse, sa musique, sa culture et ses poètes. 

Cet album est aussi éloquent et magique dans la puissance du phrasé et dans le volume qu’occupe la voix de la chanteuse lyrique, que sur son nouvel album. Si on se pose la question de savoir quel a pu être l’apport de Sounds of Ancestors dans sa carrière, il semble logique de penser qu’il aura servi à ‘structurer’ sa démarche, dans cette volonté de s’approprier cette forme d’expression. En allant vers des ‘miniatures’ (ce que fait, avec des compositions écrites pour l’occasion, In vino veritas. Hommage à Khayam), Anousha Nazari ré-emprunte un chemin laissé de côté par la musique classique contemporaine (ou moderne si vous préférez), alors que l’histoire du classique regorge de compositions dédiées au formes courtes. En quelque sorte, elle redonne vie à un genre (ou sous-genre), plus rarement traité de nos jours, qui fit les belles heures des siècles passés, fruit du travail de compositeurs renommés. 
C’est là d’ailleurs toute la subtilité de la chose ; réussir avec un nombre d’accords finalement restreints à insuffler une émotion particulière en donnant de l’envergure à ce qui reste bref par définition, en offrant la quintessence d’une sensation avec une économie de moyens et de temps.

Avec cet album s’affirme son goût pour les mélodies délicates et ces évocations parfois douces-amères, et nous découvrons cette voix extraordinaire qui nous envoûte. Ces sept ballades sont inspirées par sa Perse natale, et brillamment exécutée par la pianiste Jeyran Ghiaee. Les morceaux sont des œuvres signées de compositeurs iraniens, Mohammad Saeed Sharifian, Samin Baghcheban, André Hossein, et Morteza Hannaneh.

Sounds of Ancestors (mars 2020)
Anousha Nazari & Jeyran Ghiaee
01. The candle of Dawn (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Mohammad Saeed Sharifian) 03:45
02. You're the One I desire (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Samin Baghcheban) 02:02
03. Your two braids (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Samin Baghcheban) 03:10
04. Caravane (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & André Hossein) 03:43
05. Harp tune (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Mohammad Saeed Sharifian) 05:11
06. Omaggio a Ferdowci (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Morteza Hannaneh) 04:08
07. Omaggio a Saadi (Anousha Nazari, Jeyran Ghiaee & Morteza Hannaneh) 03:01
Ttp: 25:00

℗© Jordan Center for Persian Studies

Sylvain Ménard, juin 2024

Lien : https://www.cinemaradio.net/news/in-vino-veritas-hommage-a-khayam-lalbum-magique-de-anousha-nazari-sera-disponible-a-partir-du-3-mai-732

Alors que nous avons diverses compositions à l’esprit et pas des moindres, du Dracula de Philip Glass, au Golem de Karl-Ernst Sasse en passant par le Dracula ‘classique’, celui de la Hammer justement, composé par James Bernard ; bien évidemment nous reviennent en mémoire celles intimement liées à Nosferatu avec les œuvres signées Hans Erdmann (le film de 1922), avec Popol Vuh (et des extraits de Richard Wagner et Charles Gounod) pour la version de 1977, Nosferatu, fantôme de la nuit ; et nous n’oublierons pas de mentionner L'Ombre du vampire, qui se base quant à lui sur le tournage du film muet, avec une musique de Dan Jones.
Autant de sujets, autant d’approches*… Et même s’il paraît évident que Dracula et Nosferatu sont deux entités différentes, il paraissait raisonnable d’en mentionner quelques-uns ici, ne fut-ce qu’en regard de la notoriété des compositeurs qui ont œuvré dessus.

La puissante musique de NOSFERATU ´A Symphony of Horror’ consacre indéniablement le retour d’un Christopher Young plus épique et majestueux dans ses thèmes, comme le récent The Piper (lire l’article) nous l’aura prouvé. S’éloignant des scores parfois poisseux et très modernes de ces dernières années, il semble revenir à ces œuvres plus contemplatives et orchestrales, bien plus mélodiques.
C’est une composition magistrale, où l’impression dominante serait une forme de mélancolie, parcourue de mouvements vigoureux, et à d’autres moments sombres (gothiques… ?) et effrayants ; et qui s’inscrivent dans une démarche contemporaine.

Pour mettre en musique le Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau, Christopher Young écrit une partition incontestablement remarquable pour ce qui reste ‘le’ film expressionniste par excellence ! Écrivant une œuvre classique, moderne, - Chostakovich, Schnittke, ne sont que quelques noms qui nous viennent à l’esprit -, Christopher Young rend hommage à ces maîtres et au cinéma d’horreur. Entre ce qu’on nomme la musique de film - et qui au demeurant n’est ‘in finé’ que de la musique - et l’expression dans sa forme la plus pure de l’illustration sonore (ce qu’est une symphonie, un concerto, un opéra…), Young nous emmène avec lui dans un voyage somptueux auquel nous n’étions pas préparé.

Œuvre inspirée et foisonnante, malheureusement un peu trop courte, elle semblera aux oreilles des mélomanes comme ‘résonner’ parfois de quelques accords ou de 'tempis' qui nous renverraient à une phrase, une citation, comme lors ce mouvement lancinant qui ne serait pas sans nous faire penser au Dracula de Wojciech Kilar (dans le premier tiers de l’acte V, allant jusqu’à la moitié du morceau).

Musique de film, musique magistrale, musique de concert… NOSFERATU ´A Symphony of Horror’ est tout cela à la fois.

L’œuvre fut enregistrée les 24 et 25 février 2023 sous la tutelle experte du chef Franck Strobel et de l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich.

[Franck Strobel est connu pour son travail de reconstruction sur les partitions de Sergueï Prokofiev, pour Alexandre Nevski, Ivan le Terrible, et celle de la version restaurée de Metropolis. Son travail l’a également amené à promouvoir des ciné-concerts, et il est régulièrement invité en France par la Philharmonie de Paris et l’Orchestre national de Lyon]

Nosferatu Soundtrack 
(Musique composée par Christopher Young)
Ttp: 34:34

01. Trailer from Nosferatu (1:18)
02. Act I excerpt (4:55)
03. Act 2 excerpt (4:01)
04. Act 3 excerpt (3:23)
05. Act 4 excerpt (3:51)
06. Act 5 excerpt (3:28)
07. Meet Knock (3:09)
08. Suite from Nosferatu (10:34)

Sylvain Ménard, mai 2024

* A ceux qui s’interrogeraient sur ce qui apparaitrait comme des ‘omissions’, du Dracula de Marco Beltrami, à celui de John Williams, en passant par celui de Wojciech Kilar, ils demeurent des exemples parmi tant d’autres, fort nombreux…, et rappelons que le sujet porte sur Nosferatu.

Liens : https://www.cinemaradio.net/news/christopher-young-signe-the-piper-une-oeuvre-dune-incroyable-richesse-729

Son œuvre resplendit d’accords travaillés qui permettent à ses mouvements de totalement s’inscrire dans un contexte classique et moderne à l’instar de ces compositrices et compositeurs que nous apprécions.
Sans doute que nombre d’entre vous n’ont pas nécessairement de noms qui leur viendraient à l’esprit - citons simplement (et rapidement) Gloria Coates, Elisabetta Brusa, Peter Boyer, Dan Locklair, parmi tant d’autres, celles et ceux cités ici étant de nos contemporains. Et à côté de cette école de composition dite classique, Cliff Eidelman se hisse sans peine à leur niveau, prouvant tout le bien que l’on pensait de lui !
Plus porté vers une dimension que ne renieraient pas les grands classiques - l’apport de la voix superbe de Jessie Shulman y étant sans doute pour beaucoup - Cliff Eidelman s’aventure vers des horizons où le ‘phrasé’ prend toute son importance, où les instruments viennent parfois en soutien et n’occupent plus le devant de la scène (si j’ose dire) créant une dynamique nouvelle et simplement enthousiaste. 

On perçoit toute l’envie du compositeur, toute sa passion et sa fougue, mise ici au service d’une composition magistrale. C’est comme si Cliff Eidelman avait quelque part voulu contrebalancer toutes les atmosphères funestes et délétères engendrées par la pandémie, avant de les purger de tout caractère anxiogène, ne gardant que ce côté enthousiaste et éclatant.

C’est une œuvre lyrique somptueuse et presque onirique par instants ; une œuvre à l’écriture incroyable et aux motifs foisonnants, doublée d’une orchestration et d’une excellente interprétation du Royal Scottish National Orchestra, que dirige le compositeur. 

[Les compositeurs cités sont référencés chez Naxos notamment]

Symphony No. 2 w/Royal Scottish National Orchestra
01. Movement I  
02. Movement II  
03. Movement III  
04. Movement IV  

Sylvain Ménard, mai 2024

Lien article précédent (https://www.cinemaradio.net/news/cliff-eidelman-symphony-for-orchestra-and-two-pianos-night-in-the-gallery-701)

Nous connaissons peu - et c’est bien dommage - le grand auteur persan Omar Khayyām, qui fut tout autant un poète et un savant, et dont les écrits sont d’une facture assez incroyable pour l’époque. S’appuyant sur ses quatrains qui souvent reflètent un certain pessimisme, critiquent la religion et célèbrent la bonne chair et le bon vin, l’album s’empare de ses textes, et nous les rend transformés et embellis par la voix d’Anousha Nazari qui les transpose dans un contexte que les amoureux de beau chant, de phrasés délicats et d’une belle écriture musicale, sauront apprécier. 

Si la beauté des textes pouvait trouver une transposition adéquate que le monde moderne puisse être à même de comprendre, c’est de fait grâce à la musique. Avouons qu’aujourd’hui réussir à passionner des auditeurs ou des spectateurs avec de la poésie, encore plus avec des quatrains, et sous leur forme de strophe en quatre vers, paraît relever de la gageure. ‘Abstrait’, ‘opaque’, tels sont les mots qu’on leur associent généralement, quand on n’emploie pas l’expression ‘destiné aux élites’… Certes l’Art englobe maintes formes, mais la poésie en rebute plus d’un. 
Ici avec cette ‘mise en musique’ et l’adaptation par la mezzo-soprano Anousha Nazari de huit quatrains, c’est tout un monde qui s’ouvre à nous. D’une musique dont on louera l’universalité avec le piano et la clarinette, à cette voix parfaite que la cantatrice nous offre ; de petites miniatures soigneusement conçues, à ces tempi délicats accompagnés de ces phrasés exigeants ; tout concoure à faire de l’écoute de cet album, une expérience rare !
Nous sortons apaisés et convaincus que le bonheur (Épicure n’est pas loin) tient en peu de choses ; en une ambiance ouatée et propice à la contemplation, à l’écoute de morceaux ciselés qu’une voix au timbre splendide sacraliserai presque.

Preuve s’il en était besoin que l’Iran reste un pays d’arts, l’œuvre réunit des compositeurs iraniens contemporains, Aso Kohzadi, Rouzbeh Rafie, Basir Faghih Nasiri, Mehdi Panahi.
A l’occasion de la sortie de ce bel album, un concert exceptionnel réunira le 3 mai salle Cortot, la mezzo-soprano Anousha Nazari, la pianiste Laurianne Corneille et le clarinettiste Amaury Viduvier.

In vino veritas. Hommage à Khayam
Anousha Nazari (mezzo-soprano), Laurianne Corneille (piano), Amin Ebrahimi (clarinette)
Compositeurs : Aso Kohzadi, Rouzbeh Rafie, Basir Faghih Nasiri, Mehdi Panahi
01. Dord-e-Sharab 04:01 (composé par Aso Kohzadi)
02. Mey-e-Nab 05:25 (composé par Aso Kohzadi)
03. Az Aamdanam 03:42 (composé par Basir Faghih Nasiri)
04. Hich 02:50 (composé par Basir Faghih Nasiri)
05. Benshin Paasho 01:36 (composé par Basir Faghih Nasiri)
06. Hast o Nist 03:35 (composé par Basir Faghih Nasiri)
07. Last Night at the Ceramic Artist's Studio 04:43 (composé par Rouzbeh Rafie)
08. Coming & Going 02:25 (composé par Mehdi Panahi)

Une production de Gondishapour, en partenariat avec la Société Nationale des Beaux Arts (1862).
Création & Direction Artistique : Sina Abédi.

  
Sylvain Ménard, avril 2024

Crédit photos, tous droits réservés.